「映画通の辞典」では、作家のデビッド・カンプとローレンス・レヴィが、映画とフィルムの違いを生意気に図式化しています（「古いから白黒でも映画だ」「古いから黒でも映画だ」）。 ジャーマッシュだから白黒なら映画だ」）。 彼らはもう一つの定義を加えたかもしれない。 終わってしまったら映画だ。 止まったら映画だ。 曖昧な終わり方は、古典的なアートハウス映画の特徴のひとつであり、西部劇に銃が、アクション映画に火の玉があるように、独立系映画製作の信頼できる慣例となっている。 (もちろん、たまにはメインストリームの超大作も、観客を宙吊りにしてしまうことがある。 レオナルド・ディカプリオは『インセプション』の最後でまだ夢を見ていたのだろうか？） 今年だけでも、映画ファンはいくつかの終わりのないエンディングによって挑発された（あるいは、終結の必要性によって激怒させられた）。 ケリー・ライヒャルト監督の『ミークスカットオフ』では、19世紀の入植者たちの旅を几帳面に追った結果、映画の終わりと同時に進むべき道を決めかねている。 ジェフ・ニコルズ監督の『テイク・シェルター』では、黙示録に備えるか否かの男を描いた、仄暗い不気味な

ドラマで、エピローグは、それがすべて彼の頭の中にあったのか、これまで以上に視聴者に不確かさを残します。

そして、金曜日公開の『マーサ・マーシー・メイマーリーン』では、脚本・監督のショーン・ダーキンは、エリザベス・オルセン演じる主人公が、文字通り災難に終わるか新しい人生の保証が揺らぐかの道を歩み、その名も「マルチモンスター」な主人公を同様に置き去りにしています。

「マーサ・マーシー・メイマーリーン」の不確定なラストシーンは、結論の出ない結末の教科書的研究であり、ハッピーエンド、あるいは少なくともラストへの中毒から観客を解放しようと、宣伝ツアー中の俳優や映画制作者の間で独自のレトリックを生み出している。 「映画は、ある場所から別の場所への移行で始まり、ある場所から別の場所への移行で終わる」と、オルセンは先週、The Postのモニカ・ヘッセに語っている。 「私たちが映画を見に行くのは、完結した物語を見たいからですが、私たちの人生はすべて移り変わりでしかないのです。 ロッキーはいつも勝つとは限らないし、サメはいつも死ぬとは限らないし、ドロシーはいつもカンザスに帰れるとは限らない。 人生とは厄介なものだ! 芸術は人生を模倣する! しかし、それでは本質的な問いを解決することはできない。 ロスト・イン・トランスレーション」のラストで、ビル・マーレイはスカーレット・ヨハンソンに何と言うのか？ ミッキー・ロークは「レスラー」の最後で大丈夫だろうか？ A Serious Man」の最後の嵐は何だったのか？ (皆さん、あれは聖書のせいにしてください。)

そして、おそらく最も不可解なこと。 エンディングがないのは、いつが芸術的に正当な選択で、いつが単なるごまかしなのか？ その答えは、視聴者が喜んで気にかけ、共感するようなキャラクターを、映画製作者がいかに効果的に作り上げるかにかかっています。 しかし、それは重大なビジネスであり、映画制作者が危険を冒してでも破るべき独自のルールを伴うものです。 例えば、クリストファー・ノーラン監督でない限り、「It was only a dream（ただの夢）」作戦を使うことは許されない。 そして、彼でさえも、その特権を生まれながらにして持っていたわけではありません。 同様に、マーティン・スコセッシのような優れたスタイリストも、『シャッター アイランド』では曖昧な結末のトリックを成功させることができなかった。 また、コーエン兄弟がヨブ記を映画化した「シリアスマン」では、解決策の欠如が適切だったとしても、「ノーカントリー フォー オールドメン」のラストでトミー・リー・ジョーンズに与えた、ちょっと立ち止まって考えてしまうようなスピーチは、この寒いジャンルのエクササイズだけをより一層マンネリと気取りにしてしまったのである。

実際、『ノー・カントリー・フォー・オールドメン』は、曖昧な終わり方がなぜインディーズの決まり文句になったのか、映画監督の技量ではなく、観客に対する侮蔑を示す指標であることを象徴的に示している。 (ジョーンズの長く伸びた音節のひとつひとつに、コーエンたちが、誰が「理解」するのに十分な洗練された人であるかを測る確実なテストを作ったと祝福する声が聞こえてきそうだ）

そしてまた、貴重さは見る人の目の中にあることも多いのである。 ミークス・カットオフ』の没入感に魅了されたのなら、ライカードが主人公たちに、ひいては観客に残したジレンマは、冷徹なまでに正鵠を射ていると感じたはずです。 ボンネットをかぶった女性についての退屈な話だと思ったのなら、そうでもないだろう。 しかし、この映画を非難する人たちでさえ、最後の瞬間が得られなかったということに異論はないだろう。

「この映画の多くは、人々が十分な情報なしに決断を下すことについて描いたものです」と、「ミークス・カットオフ」の脚本家ジョン・レイモンドは1月のサンダンス映画祭で語り、この映画は「物語の中心にある未知の要素が、ドラマを実現させる」ことが大きな要因になっていると付け加えました。 この物語を素晴らしい解決策で締めくくることが、私たちがこの作品を作り上げた意義のようなものです。 現在進行形の混乱を描いているのです」。

今年のノンエンディングの中で、圧倒的に効果的だったのは「テイク・シェルター」のエピローグで、視聴者が最初にフィナーレだと思ったシーンに続いて、何が現実で何が幻覚なのかわからなくなる展開でした。 いずれにせよ、ニコルズ監督は、ジェシカ・チャステインとマイケル・シャノン演じる中心的な夫婦が互いに見つめ合い、同じものを見ていることを静かに認める瞬間を盛り込まなければならないと考えていました。

「エンディングの中のある瞬間、つまりこの2人の登場人物が互いに見つめ合う瞬間が決まっていれば、曖昧なままでもいいんだ」とニコルズ監督は9月のトロント国際映画祭で語っています。 「それは明確でなければならない。 もしそれを逃したら、誰もがこの映画は約束を果たせなかったと言うことができる。それがそのままである限り、終わりをどう解釈しようと自由だ」

言い換えれば、ニコルズはノンエンディングの規則に細心の注意を払い、現実でも互いの夢でも、観客が応援し一緒にいたいと思うキャラクターを作り出したのです。 選択肢を残さないほど、物事を完全に結んでしまわないこと。 ドライブ」のラストで、ライアン・ゴズリング演じる逃走車の運転手は、ハリウッド以外の街なら間違いなく致命傷となるような刺し傷を腹に負う。 観客は、彼が路上で生きるか死ぬかについてとやかく言うかもしれないが、ニコラス・ウィンディング・レフン監督にとって、この結末は決して曖昧なものではない。 ああ、彼は生きる！」。 絶対に！」。 と、9月の訪問時にRefnは言った。 だから『ドライブ2』があるかもしれない！」

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