Entwicklung von Opernstilen in anderen italienischen Städten

Einige andere italienische Städte entwickelten im 17. Jahrhundert bald erkennbare Opernstile. In Rom, wo wohlhabende Prälaten zu begeisterten Förderern der Oper wurden, erweiterten die Librettisten die Themenpalette um Heiligenlegenden. Die meisten römischen Komponisten dieser Zeit, wie Stefano Landi, Domenico Mazzocchi, Luigi Rossi und Michelangelo Rossi, folgten der florentinischen Tradition, indem sie Vokalensembles und Chorfinale (mit Tanz) für jeden Akt vorsahen. Sie wichen vom florentinischen Stil ab, indem sie den Kontrast zwischen den Arien und den Rezitativen verstärkten, den Arien erlaubten, die dramatische Kontinuität zu unterbrechen, und die Rezitative sprachlicher und musikalisch weniger interessant gestalteten. Sie benutzten auch komische Episoden, um überwiegend tragische Geschichten aufzuhellen (wie die Venezianer), und führten instrumentale Ouvertüren und ouvertürenähnliche Stücke ein, die den Akten oder Abschnitten von Akten vorangestellt wurden.

Zwei römische Komponisten – Mazzocchis Bruder Virgilio und Marco Marazzoli – werden oft als Schöpfer der ersten vollständig komischen Oper, Chi soffre speri (1639; „Wer leidet, hofft“), genannt. Das Libretto stammt aus der Feder von Giulio Kardinal Rospigliosi, der 1667 als Clemens IX. zum Papst ernannt werden sollte. Rospigliosis berühmtestes Libretto, Sant‘ Alessio (1632; „Der heilige Alexis“), wurde von Landi vertont, was eine reine Männerbesetzung erforderte, einschließlich Kastraten in Frauenrollen – ein weiteres Merkmal der Oper in Rom, wo Frauen nicht auf der Bühne singen durften. Die Oper wurde im späten 20. Jahrhundert erfolgreich wiederbelebt, wobei eine neue Generation hochqualifizierter, virtuoser Countertenöre die Rollen übernahm, die ursprünglich für Kastraten vorgesehen waren.

Die Oper war auch ein wichtiger Bestandteil des Musiklebens in Neapel, wo das erste ständige Opernhaus der Stadt, das Teatro San Bartolomeo, in der Mitte des 17. Um 1700 rivalisierte Neapel mit Venedig als Zentrum der italienischen Oper, was vor allem auf die Werke und den Einfluss von Alessandro Scarlatti zurückzuführen war, der sich in Rom einen Namen gemacht hatte. Scarlatti schrieb zwischen 1684 und 1702 mindestens 32 seiner 66 Opern für San Bartolomeo, bevor ihn der Spanische Erbfolgekrieg (1701-14) veranlasste, nach Rom zurückzukehren. Von seinen Opern stellt La caduta de‘ Decemviri (1697; „Der Fall der Decemviren“) – auf ein Libretto von Silvio Stampiglia, das nicht weniger als 62 Arien enthält – Scarlatti auf dem Höhepunkt seiner Theaterkarriere dar. Er schrieb weiterhin Opern für Rom, Florenz und Venedig, bevor er 1709 nach Neapel zurückkehrte. Dort war der Stil seiner Opern jedoch bereits veraltet.

Eine im späten 17. Jahrhundert in Venedig entstandene neoklassizistische Bewegung in der Oper hatte begonnen, die Libretti von komischen Szenen und Figuren zu befreien und einfachere Handlungen zu fordern, die auf den Tragödien der französischen Dramatiker Pierre Corneille und Jean Racine basierten, die eine gehobene Sprache verwendeten und das klassische Ideal der Einheit von Zeit, Ort und Handlung aufrechterhielten, das verlangte, dass das Libretto eine einzige Handlung enthielt, die an einem einzigen Tag und an einem einzigen Ort oder Schauplatz spielte. Diese Werte spiegelten sich in einem Operntypus wider, der als Opera seria (Plural: opere serie) oder „ernste Oper“ bekannt ist, im Gegensatz zur Opera buffa (Plural: opere buffe) oder „komischen Oper“. Scarlattis opere serie sind beispielhaft für eine einheitliche Handlung mit weniger als 10 Charakteren, deren Gefühle und Persönlichkeiten in einer Reihe von Da-capo-Arien zum Ausdruck kommen, einer Art von Arie, die besonders mit der neapolitanischen opere serie verbunden ist. Die Da-Capo-Arie war eine groß angelegte Form in drei Abschnitten (ABA), wobei der dritte Abschnitt den ersten „vom Capo oder Kopf“, d. h. vom Anfang an, wiederholte. Die Form bestand aus einem prägnanten, gereimten Gedicht, dessen Hauptgedanke von einem oder zwei charakteristischen musikalischen Motiven aufgegriffen wurde, die zu einem kunstvollen Solo voller Musik- und Textwiederholungen erweitert wurden, das von instrumentalen Ritornellen umrahmt wurde. Das Ziel des Komponisten war es, in jeder Arie eine oder zwei Emotionen aus einem breiten Spektrum von Leidenschaften darzustellen, um ein musikalisches Porträt des Gemütszustands einer bestimmten Figur an diesem Punkt der Handlung zu entwerfen – eine Funktion, die derjenigen der handlungsunterbrechenden Nahaufnahme im Kino heute ähnelt. Scarlatti verlieh seinen Arien eine ungewöhnliche Qualität und Tiefe und stattete sie mit einer reichen und vielfältigen Instrumentierung aus.

Zu Scarlattis unmittelbaren Nachfolgern gehörten Komponisten wie Nicola Porpora, Leonardo Vinci und Leonardo Leo. Diese Generation arbeitete oft mit dem dramatischen Dichter Pietro Trapassi, bekannt als Metastasio, zusammen, dem vielleicht größten Librettisten des 18. Jahrhunderts, dessen Werke bis ins 19. Jahrhundert von etwa 400 Komponisten vertont wurden. Jahrhundert über 400 Komponisten vertonten. Metastasio und sein venezianischer Vorgänger Apostolo Zeno setzten den Brauch fort, Libretti auf die griechisch-römische Legende und Pseudogeschichte zu gründen, wobei sich die Handlungen eher um Dido, Alexander den Großen und Titus als um mythologische Helden drehten, und schrieben Texte von formaler Schönheit und sprachlicher Klarheit, wobei sie feierliche, meist tragische Themen (opera seria) in drei Akten gegenüber komischen Episoden und Figuren bevorzugten.

Der Begriff „neapolitanische Oper“ bezeichnete neben der Opera seria auch einen leichten, einschmeichelnden Stil, der manchmal auch als galant bezeichnet wurde und auf der Betonung anmutiger Gesangsmelodien basierte, die in symmetrischen, ausgewogenen Phrasen vorgetragen wurden. Diese Melodien wurden von einer einfacheren Begleitung begleitet, die frei von den treibenden Rhythmen früherer Arien (der Barockzeit, die ungefähr dem 17. und frühen 18. Jahrhundert entspricht) war und die Stimme eher unterstützte als mit ihr zu konkurrieren. Viele der Qualitäten, die mit der so genannten Wiener Klassik des 18. Jahrhunderts in Verbindung gebracht wurden – insbesondere die Instrumentalmusik von Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven – hatten ihren Ursprung im melodiösen Gesangsstil der neapolitanischen Oper.

Um 1730 war die italienische Oper, manchmal in Übersetzung, in rund 130 europäischen Städten und Gemeinden, von Kopenhagen bis Madrid und von London bis Moskau, angekommen. Die zunehmend starren und undramatischen Konventionen der Opera seria riefen Kritik hervor – etwa in der beißenden Satire Il teatro alla moda („Theater à la Mode“), die 1720 von dem venezianischen Komponisten, Dichter und Staatsmann Benedetto Marcello veröffentlicht wurde. Die Grundelemente Rezitativ und Arie, Gelegenheitsensembles und Chöre wurden bis heute beibehalten, auch wenn ihre Proportionen zueinander variierten. Im 18. Jahrhundert war die italienische Oper wirklich ein internationales Medium und das einzige Mittel, mit dem ein erfolgreicher Komponist Ruhm und Reichtum erlangen konnte.