Musicals On Stage:
A Capsule History
von John Kenrick
(Copyright 1996-2003)
Die alten Griechen hatten Theaterstücke mit Liedern, und römische Komödien enthielten Gesangs- und Tanzeinlagen. Aber die Musik dieser Epochen ist längst verschwunden, so dass sie keinen wirklichen Einfluss auf die Entwicklung des modernen Musiktheaters und des Films hatten. Im Mittelalter gab es reisende Spielleute und musikalische Moralstücke, die von den Kirchen aufgeführt wurden, aber diese hatten wenig oder gar keinen Einfluss auf die Entwicklung des Musicals als Kunstform.
Obwohl es um 1700 viele musikalische Bühnenunterhaltungen gab, wurde keine von ihnen als „Musical“ bezeichnet. Das erste dauerhafte englischsprachige Werk dieser Zeit war John Gays The Beggar’s Opera (1728), eine Balladenoper, die populäre Melodien der damaligen Zeit mit Texten vertonte, die zu einer satirischen Parodie über respektable Bürger passten, die nicht besser als gewöhnliche Diebe waren. Diese und andere britische Balladenopern, Burletts und Pantomimen bildeten den Großteil der Musicals, die bis in die frühen 1800er Jahre auf amerikanischen Bühnen aufgeführt wurden.
Das Musical, wie wir es kennen, hat einige seiner Wurzeln in den französischen und Wiener Operetten der 1800er Jahre. Die satirischen Werke von Jacques Offenbach (Paris) und die romantischen Komödien von Johann Strauß II (Wien) waren die ersten Musicals, die internationale Popularität erlangten. Kontinentale Operetten kamen in England gut an, aber das dortige Publikum bevorzugte das lockerere Varieté-Format der Music Hall.
Das zeitgenössische Broadway-Musical hat seine Form zwar von der Operette übernommen, aber seine komische Seele hat es von den Varieté-Unterhaltungen, die Amerika ab Mitte des 18. Jahrhunderts begeisterten. Rohe amerikanische Varieté- und Minstrel-Shows wichen schließlich den raffinierteren Vergnügungen des Vaudeville – und dem rüpelhaften Geist der Burlesque.
Der Erfolg von The Black Crook (1860) ebnete den Weg für die Entwicklung amerikanischer Musicals in den 1860er Jahren, darunter Extravaganzen, Pantomimen und die musikalischen Farcen von Harrigan & Hart. Die komischen Operetten von Gilbert & Sullivan (1871-1896) waren witzig, melodiös und exquisit inszeniert und setzten neue Maßstäbe für die Theaterproduktion. Nach Gilbert und Sullivan wurde das Theater in Großbritannien und den Vereinigten Staaten zunächst durch Nachahmung, dann durch Innovation neu definiert.
In den frühen 1900er Jahren hatten Importe wie Franz Lehars Die lustige Witwe (1907) enormen Einfluss auf das Broadway-Musical, aber die amerikanischen Komponisten George M. Cohan und Victor Herbert gaben der amerikanischen Musical-Komödie einen unverwechselbaren Klang und Stil. In den 1910er Jahren gingen Jerome Kern, Guy Boulton und P.G. Wodehouse mit ihren Princess Theatre Shows noch einen Schritt weiter und brachten glaubwürdige Personen und Situationen auf die Musicalbühne. In denselben Jahren führte Florenz Ziegfeld seine Follies ein, die ultimative Bühnenrevue.
In den 1920er Jahren gewann die amerikanische Musikkomödie weltweiten Einfluss. Am Broadway debütierten Cole Porter, Rodgers und Hart, die Gershwins und viele andere als Komponisten. Die Briten steuerten mehrere intime Kritiken bei und stellten das Multitalent Noel Coward vor. Kern und Oscar Hammerstein II schrieben das innovative Showboat (1927), den nachhaltigsten Hit der 1920er Jahre.
Die Große Depression konnte den Broadway nicht aufhalten, im Gegenteil, in den 1930er Jahren erreichte die heitere musikalische Komödie ihren kreativen Höhepunkt. The Gershwins Of Thee I Sing (1931) war das erste Musical überhaupt, das den Pulitzer-Preis für Drama gewann. Rodgers & Hart (On Your Toes – 1936) und Cole Porter (Anything Goes 1934) trugen ihren Teil zu dauerhaften Hits und Songs bei.
Die 1940er Jahre begannen mit der üblichen Musical-Komödie, aber Rodgers & Harts Pal Joey und Weill und Gershwins Lady in the Dark ebneten den Weg für realistischere Musicals. Rodgers und Hammersteins Oklahoma (1943) war das erste vollständig integrierte Musiktheaterstück, in dem jedes Lied und jeder Tanz zur Entwicklung der Figuren oder der Handlung eingesetzt wurde. Nach Oklahoma sollte das Musical nie wieder dasselbe sein, aber die Komponisten Irving Berlin (Annie Get Your Gun – 1946) und Cole Porter (Kiss Me Kate 1947) erwiesen sich bald bereit, sich dem integrierten Musical anzupassen.
In den 1950er Jahren war die Musik des Broadway die populäre Musik der westlichen Welt. Jede Saison brachte eine neue Ernte klassischer Hit-Musicals, die vom Publikum sehnsüchtig erwartet und gefeiert wurden. Großartige Geschichten, die mit unvergesslichen Liedern und Tänzen erzählt wurden, waren an der Tagesordnung und führten zu so unvergesslichen Hits wie The King and I, My Fair Lady, Gypsy und Dutzenden anderen. Diese Musicals wurden von drei Schlüsselelementen geprägt:
Komponisten: Rodgers & Hammerstein, Loesser, Bernstein
Regisseure: George Abbott, Jerome Robbins, Bob Fosse
Frauenstars: Gwen Verdon, Mary Martin, Ethel Merman
In den 1960er Jahren war zunächst alles wie gehabt: Der Broadway brachte rekordverdächtige Hits hervor (Hello, Dolly!, Fiddler on the Roof). Doch als sich der Musikgeschmack änderte, geriet das Musical ins Hintertreffen. Das Rock-Musical-Happening Hair (1968) wurde als Meilenstein gefeiert, läutete aber eine Zeit der Verwirrung im Musiktheater ein.
Der Komponist und Texter Stephen Sondheim und der Regisseur Hal Prince richteten das Genre in den 1970er Jahren neu aus, indem sie Konzeptmusicals einführten, die eher auf einer Idee als auf einer traditionellen Handlung basierten. Company (1970), Follies (1972) und A Little Night Music (1973) hatten Erfolg, während Rockmusicals schnell in den Hintergrund traten. Das Konzeptmusical erreichte seinen Höhepunkt mit A Chorus Line (1974), das von Michael Bennett konzipiert und inszeniert wurde. No, No, Nanette (1973) leitete eine Reihe populärer Wiederaufnahmen der 1970er Jahre ein, aber am Ende des Jahrzehnts war die Schlachtlinie zwischen ernsthaften neuen Werken (Sweeney Todd) und stark kommerzialisierten britischen Mega-Musicals (Evita) gezogen.
Das Publikum entschied sich eindeutig für die Mega-Musicals, und so brachten die 1980er Jahre eine Reihe von lang laufenden „Brit-Hits“ an den Broadway: Cats, Les Miserables, Phantom der Oper und Miss Saigon hatten wenig intellektuellen Inhalt und setzten auf Spezialeffekte und Marketing.
In den 1990er Jahren konnten neue Mega-Musicals das Publikum nicht mehr für sich gewinnen, und die Kosten waren so hoch, dass selbst Dauerbrenner (Crazy for You, Sunset Boulevard) am Broadway nicht mehr rentabel waren. Neue Bühnenmusicals benötigten nun die Unterstützung von millionenschweren Unternehmen, um sich zu entwickeln und erfolgreich zu sein – ein Trend, der durch Disneys König der Löwen und Livents Ragtime bestätigt wurde. Selbst Rent und Titanic wurden von kleineren, am Broadway ansässigen Unternehmen gefördert.
Am Ende des 20. Jahrhunderts befand sich das Musiktheater in einem unsicheren Zustand und stützte sich auf aufgewärmte Nummern (Fosse) und Bühnenversionen alter Filme (Footloose, Saturday Night Fever) sowie auf die immer noch laufenden Megamusicals des vorangegangenen Jahrzehnts. Doch ab dem Jahr 2000 wurde der Broadway von einem neuen Aufschwung der amerikanischen Musical-Komödien überrascht. The Producers, Urinetown, Thoroughly Modern Millie, Hairspray – witzig, melodisch und einfallsreich inszeniert, gaben diese Hits dem Genre neue Hoffnung.
Was liegt in der Zukunft vor uns? Das ist schwer zu sagen, aber es wird mit Sicherheit neue Musicals geben. Das Musical wird vielleicht neue Wege gehen, denen einige seiner Fans nicht folgen wollen, aber die Form wird weiterleben, solange die Menschen eine mit Liedern erzählte Geschichte mögen.
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