Dezvoltarea stilurilor de operă în alte orașe italiene

Câteva alte orașe italiene au dezvoltat în curând stiluri de operă recognoscibile în secolul al XVII-lea. La Roma, unde prelații bogați au devenit sponsori înflăcărați ai operei, libretiștii au extins gama de subiecte pentru a include legende ale sfinților. Majoritatea compozitorilor romani ai vremii, cum ar fi Stefano Landi, Domenico Mazzocchi, Luigi Rossi și Michelangelo Rossi, au urmat tradiția florentină, incluzând ansambluri vocale și finale corale (cu dans) pentru fiecare act. Ei s-au îndepărtat de stilul florentin prin creșterea contrastului dintre arii și recitative, permițând ca ariile să întrerupă continuitatea dramatică și făcând recitativele mai mult discursive și mai puțin interesante din punct de vedere muzical. De asemenea, au folosit episoade comice pentru a ușura poveștile predominant tragice (la fel ca venețienii) și au introdus uverturi instrumentale și piese asemănătoare uverturilor care preced acte sau secțiuni de acte.

Doi compozitori romani – Virgilio, fratele lui Mazzocchi, și Marco Marazzoli – sunt adesea citați ca fiind cei care au creat prima operă complet comică, Chi soffre speri (1639; „Cel care suferă, speră”). Libretul acesteia a fost scris de Giulio Cardinal Rospigliosi, care avea să fie ridicat la papalitate în 1667 sub numele de Clement al IX-lea. Cel mai faimos libret al lui Rospigliosi, Sant’ Alessio (1632; „Sfântul Alexis”), a primit o punere în scenă de către Landi, care a necesitat o distribuție formată numai din bărbați, inclusiv castrati în rolurile feminine – o altă caracteristică a operei din Roma, unde femeilor nu le era permis să cânte pe scenă. Opera a fost reluată cu succes la sfârșitul secolului al XX-lea, cu o nouă rasă de contratenori foarte bine pregătiți și virtuoși care au preluat rolurile destinate inițial castraților.

Opera a fost, de asemenea, o parte importantă a vieții muzicale din Napoli, unde primul teatru de operă permanent al orașului, Teatro San Bartolomeo, a fost înființat la mijlocul secolului al XVII-lea. Până în 1700, Napoli a rivalizat cu Veneția ca centru al operei italiene, în mare parte datorită lucrărilor și influenței lui Alessandro Scarlatti, care își făcuse reputația la Roma. Scarlatti a scris cel puțin 32 dintre cele 66 de opere ale sale pentru San Bartolomeo între 1684 și 1702, înainte ca Războiul de Succesiune Spaniolă (1701-14) să-l determine să se întoarcă la Roma. Dintre operele sale, La caduta de’ Decemviri (1697; „Căderea Decemvirilor”) – pe un libret de Silvio Stampiglia care conține nu mai puțin de 62 de arii – îl reprezintă pe Scarlatti la apogeul carierei sale teatrale. A continuat să scrie opere pentru Roma, Florența și Veneția, înainte de a se întoarce la Napoli în 1709. Acolo, însă, stilul operelor sale începuse deja să fie demodat.

O mișcare neoclasică în operă, originară din Veneția la sfârșitul secolului al XVII-lea, începuse să epureze libretele de scene și personaje comice și să ceară intrigi mai simple, bazate pe tragediile dramaturgilor francezi Pierre Corneille și Jean Racine, care foloseau un limbaj elevat și susțineau idealul clasic al unității de timp, loc și acțiune, care cerea ca libretul să aibă o singură intrigă care să se desfășoare într-o singură zi și într-un singur loc sau cadru. Aceste valori au fost reflectate într-un tip de operă cunoscut sub numele de opera seria (plural: opere serie), sau „opera serioasă”, spre deosebire de opera buffa (plural: opere buffe), sau „opera comică”. Operele serie ale lui Scarlatti sunt exemplare prin utilizarea unor intrigi unificate cu mai puțin de 10 personaje, ale căror sentimente și personalități sunt exprimate într-o serie de arii da capo, un tip de arie asociat în special cu operele serie napoletane. Aria da capo era o formă pe scară largă în trei secțiuni (ABA), cea de-a treia repetând-o pe prima „de la capo, sau cap” – adică de la început. Forma consta dintr-un poem concis, cu rimă, a cărui idee principală era captată de unul sau două motive muzicale caracteristice, care erau extinse într-un solo elaborat, plin de repetări de muzică și text încadrate de ritornelli instrumentale. Scopul compozitorului în fiecare arie era de a descrie una sau două emoții dintr-o gamă largă de pasiuni, pentru a contura un portret muzical al stării de spirit a unui anumit personaj în acel moment al acțiunii – o funcție similară cu cea a prim-planului cinematografic care oprește acțiunea în zilele noastre. Scarlatti a imprimat ariilor sale o calitate și o profunzime neobișnuite și le-a oferit o instrumentație bogată și variată.

Printre succesorii imediați ai lui Scarlatti s-au numărat compozitori precum Nicola Porpora, Leonardo Vinci și Leonardo Leo. Această generație a colaborat adesea cu poetul dramatic Pietro Trapassi, cunoscut sub numele de Metastasio – poate cel mai mare dintre libretiștii secolului al XVIII-lea, ale cărui lucrări au fost puse în scenă de aproximativ 400 de compozitori până în plin secol al XIX-lea. Continuând obiceiul de a baza libretele pe legenda și pseudoistoria greco-romană, cu intrigi care se învârteau în jurul unor personaje precum Dido, Alexandru cel Mare și Titus, mai degrabă decât în jurul eroilor mitologici, Metastasio și predecesorul său venețian Apostolo Zeno au scris texte de o frumusețe formală și claritate lingvistică, preferând subiecte solemne, de obicei tragice (opera seria) în trei acte, în locul episoadelor și personajelor comice.

Termenul de operă napoletană, pe lângă asocierea sa cu opera seria, a ajuns să indice și un stil ușor ingrat, numit uneori galant, care se baza pe punerea în prim-plan a unor melodii vocale grațioase, prezentate în fraze simetrice și echilibrate. Aceste melodii erau acompaniate de un acompaniament mai simplu, lipsit de ritmurile antrenante ale ariilor anterioare (din perioada barocă, care corespunde aproximativ secolului al XVII-lea și începutul secolului al XVIII-lea) și care susținea vocea mai degrabă decât să concureze cu ea. Multe dintre calitățile care au devenit asociate cu așa-numitul stil clasic vienez din secolul al XVIII-lea – în special muzica instrumentală a lui Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart și Ludwig van Beethoven – și-au avut originile în stilul vocal melodios al operei napolitane.

Până în 1730, opera italiană, uneori în traducere, ajunsese în aproximativ 130 de orașe europene, de la Copenhaga la Madrid și de la Londra la Moscova. Convențiile din ce în ce mai rigide și mai puțin dramatice ale operei seria au stârnit critici – cum ar fi satira mușcătoare Il teatro alla moda („Teatrul la modă”) publicată în 1720 de compozitorul-poet-statalist venețian Benedetto Marcello. Elementele de bază ale recitativului și ale ariei, ale ansamblurilor ocazionale și ale corurilor au fost păstrate până în zilele noastre, deși proporțiile lor în raport cu celelalte au variat. În secolul al XVIII-lea, opera italiană era cu adevărat un mediu internațional și singurul vehicul prin care un compozitor de succes putea obține faimă și avere.

.