Rozwój stylów operowych w innych miastach włoskich

Kilka innych miast włoskich szybko rozwinęło rozpoznawalne style operowe w XVII wieku. W Rzymie, gdzie bogaci prałaci stali się gorliwymi sponsorami opery, libreciści rozszerzyli zakres tematów, aby włączyć legendy o świętych. Większość ówczesnych rzymskich kompozytorów, takich jak Stefano Landi, Domenico Mazzocchi, Luigi Rossi i Michelangelo Rossi, podążała za florencką tradycją, włączając do każdego aktu zespoły wokalne i chóralne finały (z tańcami). Odbiegali od stylu florenckiego, zwiększając kontrast między ariami a recytatywami, pozwalając ariom przerywać ciągłość dramaturgiczną, a recytatywy uczynić bardziej mówionymi i mniej interesującymi muzycznie. Używali także epizodów komicznych, aby rozjaśnić przeważnie tragiczne historie (podobnie jak Wenecjanie) i wprowadzili uwertury instrumentalne oraz utwory przypominające uwertury poprzedzające akty lub części aktów.

Dwaj rzymscy kompozytorzy – brat Virgilio i Marco Marazzoli- są często cytowani jako twórcy pierwszej całkowicie komicznej opery, Chi soffre speri (1639; „Kto cierpi, ma nadzieję”). Jej libretto napisał kardynał Giulio Rospigliosi, który w 1667 roku miał zostać wyniesiony na tron papieski jako Klemens IX. Najsłynniejsze libretto Rospigliosiego, Sant’ Alessio (1632; „Święty Aleksy”), otrzymało oprawę Landiego, która wymagała męskiej obsady, w tym castrati w rolach kobiecych – co było kolejną cechą opery w Rzymie, gdzie kobietom nie wolno było śpiewać na scenie. Opera została z powodzeniem przywrócona pod koniec XX wieku, z nową rasą wysoko wykwalifikowanych, wirtuozowskich kontratenorów podejmujących role pierwotnie przeznaczone dla kastratów.

Opera była również ważną częścią życia muzycznego w Neapolu, gdzie pierwszy stały teatr operowy w mieście, Teatro San Bartolomeo, został założony w połowie XVII wieku. Do roku 1700 Neapol rywalizował z Wenecją jako centrum włoskiej opery, głównie dzięki dziełom i wpływom Alessandra Scarlattiego, który zdobył sławę w Rzymie. Scarlatti napisał co najmniej 32 ze swoich 66 oper dla San Bartolomeo w latach 1684-1702, zanim wojna o sukcesję hiszpańską (1701-14) zmusiła go do powrotu do Rzymu. Spośród jego oper, La caduta de’ Decemviri (1697; „Upadek Decemwirów”) – do libretta Silvio Stampiglii, zawierającego nie mniej niż 62 arie – reprezentuje Scarlattiego u szczytu jego kariery teatralnej. Kontynuował pisanie oper dla Rzymu, Florencji i Wenecji, by w 1709 roku powrócić do Neapolu. Tam jednak styl jego oper zaczynał już być przestarzały.

Ruch neoklasyczny w operze, zapoczątkowany w Wenecji pod koniec XVII wieku, zaczął oczyszczać libretta z komicznych scen i postaci oraz domagać się prostszych fabuł, opartych na tragediach francuskich dramaturgów Pierre’a Corneille’a i Jeana Racine’a, którzy używali podniosłego języka i podtrzymywali klasyczny ideał jedności czasu, miejsca i akcji, który wymagał, aby libretto miało jedną fabułę rozgrywającą się w ciągu jednego dnia i w jednym miejscu lub scenerii. Wartości te znalazły odzwierciedlenie w typie opery znanym jako opera seria (liczba mnoga: opere serie), czyli „opera poważna”, w odróżnieniu od opery buffa (liczba mnoga: opere buffe), czyli „opery komicznej”. Opere serie Scarlattiego są wzorcowe pod względem wykorzystania jednolitych fabuł z mniej niż 10 postaciami, których uczucia i osobowości wyrażane są w serii arii da capo, rodzaju arii szczególnie związanej z neapolitańskimi opere serie. Aria da capo była rozbudowaną formą w trzech częściach (ABA), z których trzecia powtarzała pierwszą „od capo, czyli od głowy” – czyli od początku. Forma ta składała się z lapidarnego, rymowanego wiersza, którego myśl przewodnią ujmował jeden lub dwa charakterystyczne motywy muzyczne, rozbudowywane w rozbudowane solo pełne powtórzeń muzyczno-tekstowych, obramowanych instrumentalnymi ritornelli. Celem kompozytora w każdej arii było przedstawienie jednej lub dwóch emocji spośród szerokiej gamy namiętności, aby stworzyć muzyczny portret stanu ducha danej postaci w danym momencie akcji – funkcja podobna do tej, jaką pełni dziś filmowe zbliżenie zatrzymujące akcję. Scarlatti nasycił swoje arie niezwykłą jakością i głębią oraz wyposażył je w bogatą i zróżnicowaną instrumentację.

Wśród bezpośrednich następców Scarlattiego byli tacy kompozytorzy, jak Nicola Porpora, Leonardo Vinci i Leonardo Leo. Pokolenie to często współpracowało z poetą dramatycznym Pietro Trapassim, znanym jako Metastasio – być może największym z osiemnastowiecznych librecistów, którego utwory były wykonywane przez około 400 kompozytorów aż do XIX wieku. Kontynuując zwyczaj opierania librett na grecko-rzymskich legendach i pseudohistoriach, z fabułami obracającymi się raczej wokół Dydony, Aleksandra Wielkiego i Tytusa niż bohaterów mitologicznych, Metastasio i jego wenecki poprzednik Apostolo Zeno pisali teksty o formalnym pięknie i językowej przejrzystości, przedkładając uroczyste, zwykle tragiczne tematy (opera seria) w trzech aktach nad komiczne epizody i postaci.

Termin opera neapolitańska, oprócz jego związek z operą seria, również przyszedł do wskazania lekki styl ingratiating, czasami nazywany galant, który opierał się na pierwszym planie wdzięcznych melodii wokalnych, prezentowane w symetrycznych, zrównoważonych fraz. Melodie te były zestawiane z prostszym akompaniamentem, pozbawionym motorycznych rytmów wcześniejszych arii (z okresu baroku, odpowiadającego mniej więcej XVII i początkom XVIII wieku), który raczej wspierał głos niż z nim konkurował. Wiele cech, które stały się związane z tzw wiedeńskim stylu klasycznym 18 wieku – zwłaszcza muzyki instrumentalnej Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, i Ludwig van Beethoven – miał swoje korzenie w melodyjnym stylu wokalnym opery neapolitańskiej.

Do 1730 roku włoska opera, czasami w tłumaczeniu, przybył w około 130 europejskich miast i miasteczek, od Kopenhagi do Madrytu i od Londynu do Moskwy. Coraz bardziej sztywne i niedramatyczne konwencje opery seria wywołały krytykę – taką jak ostra satyra Il teatro alla moda („Teatr a la Mode”) opublikowana w 1720 roku przez weneckiego kompozytora-poetę-państwowca Benedetto Marcello. Podstawowe elementy recytatywu i arii, zespoły okolicznościowe i chóry zachowały się do dziś, choć ich proporcje w stosunku do siebie zmieniały się. W XVIII wieku opera włoska była prawdziwie międzynarodowym medium i jedynym środkiem, dzięki któremu odnoszący sukcesy kompozytor mógł osiągnąć sławę i fortunę.