Musicals On Stage:
A Capsule History
by John Kenrick
(Copyright 1996-2003)
Starożytni Grecy mieli sztuki z piosenkami, a rzymskie komedie zawierały piosenki i układy taneczne. Ale muzyka z tych epok zniknęła dawno temu, więc nie miały one realnego wpływu na rozwój nowoczesnego teatru muzycznego i filmu. Średniowiecze przyniosło podróżujących minstreli i muzyczne moralitety wystawiane przez kościoły, ale miały one niewielki wpływ na rozwój musicali jako formy sztuki.
Ale było wiele muzycznych rozrywek scenicznych w 1700 roku, żaden z nich nie był nazywany „musicalami”. Pierwsza trwała angielskojęzyczna praca z tego okresu była Opera żebracza Johna Gaya (1728), opera balladowa, która zresetowała popularne melodie dnia do tekstów, które pasują do satyrycznego spoof szanowanych obywateli, którzy nie są lepsi od zwykłych złodziei. Ta, oraz inne brytyjskie opery balladowe, burlety i pantomimy, stanowiły większość musicali oferowanych na amerykańskich scenach aż do wczesnych lat 1800.
Musical, jaki znamy, ma niektóre ze swoich korzeni we francuskich i wiedeńskich operetkach z 1800 roku. Satyryczne dzieła Jacquesa Offenbacha (Paryż) i komedie romantyczne Johanna Straussa II (Wiedeń) były pierwszymi musicalami, które osiągnęły międzynarodową popularność. Operetki kontynentalne były dobrze przyjmowane w Anglii, ale tamtejsza publiczność wolała luźniejszy format Music Hall.
Podczas gdy współczesny musical na Broadwayu wziął swoją formę z operetki, otrzymał swoją komiczną duszę z rozrywek, które zachwycały Amerykę od połowy XIX wieku. Surowe amerykańskie Variety i Minstrel Shows ostatecznie ustąpiły miejsca bardziej wyrafinowanym przyjemnościom wodewilu — i awanturniczemu duchowi burleski.
Sukces The Black Crook (1860) otworzył drogę do rozwoju amerykańskich musicali w latach sześćdziesiątych XIX wieku, w tym ekstrawagancji, pantomim i muzycznych fars Harrigana & Harta. Komiczne operetki Gilberta & Sullivana (1871-1896) były dowcipne, melodyjne i znakomicie wyprodukowane, prowadząc do nowych standardów produkcji teatralnej. Po Gilberta i Sullivana, teatr w Wielkiej Brytanii i Stanach Zjednoczonych został ponownie zdefiniowany najpierw przez naśladownictwo, a następnie przez innowacje.
Na początku 1900 roku, importy, takie jak Franz Lehars Wesoła wdówka (1907) miał ogromny wpływ na musicalu Broadway, ale amerykańscy kompozytorzy George M. Cohan i Victor Herbert dał amerykańskiej komedii muzycznej charakterystyczny dźwięk i styl. Następnie (lata 1910) Jerome Kern, Guy Boulton i P.G. Wodehouse poszli o krok dalej z przedstawieniami Princess Theatre, wprowadzając na scenę musicalową wiarygodnych ludzi i sytuacje. W tych samych latach Florenz Ziegfeld wprowadził swoje Follies, ostateczną rewię sceniczną.
W latach dwudziestych XX wieku amerykańska komedia muzyczna zyskała wpływy na całym świecie. Na Broadwayu zadebiutowali Cole Porter, Rodgers i Hart, Gershwins i wielu innych. Brytyjczycy wnieśli kilka kameralnych recenzji i przedstawili wszechstronnie utalentowanego Noela Cowarda. Kern i Oscar Hammerstein II napisali innowacyjny Showboat (1927) najtrwalszy hit lat dwudziestych.
Wielki Kryzys nie zatrzymał Broadwayu w rzeczywistości, lata trzydzieste zobaczyły, że lekka komedia muzyczna osiągnęła swój twórczy zenit. The Gershwins Of Thee I Sing (1931) był pierwszym musicalem w historii, który zdobył nagrodę Pulitzera za dramat. Rodgers & Hart (On Your Toes – 1936) i Cole Porter (Anything Goes 1934) wnieśli swój udział w trwałych hitach i piosenkach.
Lata czterdzieste rozpoczęły się od komedii muzycznej business-as-usual, ale Rodgers & Hart Pal Joey i Weill i Gershwins Lady in the Dark otworzyli drogę dla bardziej realistycznych musicali. Rodgers i Hammersteins Oklahoma (1943) był pierwszym w pełni zintegrowany spektakl muzyczny, przy użyciu każdej piosenki i tańca do rozwoju postaci lub fabuły. Po Oklahomie musical nigdy nie byłby taki sam, ale kompozytorzy Irving Berlin (Annie Get Your Gun – 1946) i Cole Porter (Kiss Me Kate 1947) szybko udowodnili, że są gotowi dostosować się do zintegrowanego musicalu.
W latach 50. muzyka Broadwayu była muzyką popularną zachodniego świata. Każdy sezon przynosił świeży plon klasycznych hitów musicalowych, które były z niecierpliwością oczekiwane i celebrowane przez szeroką publiczność. Wspaniałe historie, opowiedziane za pomocą zapadających w pamięć piosenek i tańców były na porządku dziennym, czego efektem były takie niezapomniane hity jak Król i ja, My Fair Lady, Gypsy i dziesiątki innych. Te musicale zostały ukształtowane przez trzy kluczowe elementy:
Kompozytorzy: Rodgers & Hammerstein, Loesser, Bernstein
Reżyserzy: George Abbott, Jerome Robbins, Bob Fosse
Kobiece gwiazdy: Gwen Verdon, Mary Martin, Ethel Merman
Na początku lata 60. były bardziej takie same, z Broadwayem toczącym rekordowe hity (Hello, Dolly!, Skrzypek na dachu). Jednak w miarę jak zmieniały się popularne gusta muzyczne, musical pozostawał w tyle. Rock musical „happening” Hair (1968) został okrzyknięty przełomowym, ale to zapoczątkowało okres zamieszania w teatrze muzycznym.
Kompozytor/lyricist Stephen Sondheim i reżyser Hal Prince ponownie skupić gatunek w 1970 roku poprzez wprowadzenie koncepcji musicali pokazuje zbudowany wokół idei, a nie tradycyjnej fabuły. Company (1970), Follies (1972) i A Little Night Music (1973) odniosły sukces, podczas gdy musicale rockowe szybko zeszły na dalszy plan. Szczyt popularności musicalu koncepcyjnego przyniósł A Chorus Line (1974), wymyślony i wyreżyserowany przez Michaela Bennetta. Nie, nie, Nanette (1973) zapoczątkowała szereg popularnych wznowień z lat 70-tych, ale do końca dekady linia walki została wyznaczona pomiędzy poważnymi nowymi dziełami (Sweeney Todd) i mocno skomercjalizowanymi brytyjskimi megamusicalami (Evita).
Publiczność orzekła zdecydowanie na korzyść megamusicali, więc lata 80-te przyniosły sukcesję długo trwających „brytyjskich hitów” na Broadwayu Cats, Les Miserables, Phantom of the Opera i Miss Saigon były lekkie w treści intelektualnej i ciężkie w efektach specjalnych i marketingu.
W latach 90. nowe megamusicale nie zdobywały już publiczności, a koszty były tak wysokie, że nawet długogrające hity (Crazy for You, Sunset Boulevard) nie były w stanie przynosić zysków na Broadwayu. Nowe musicale sceniczne wymagały teraz wsparcia wielomilionowych korporacji, aby mogły się rozwijać i odnieść sukces – trend ten udowodnił Król Lew Disneysa i Ragtime Liventsa. Nawet Rent i Titanic były wspierane przez mniejsze, oparte na Broadwayu podmioty korporacyjne.
Jak XX wiek się kończył, teatr muzyczny był w niepewnym stanie, opierając się na powtórzonych numerach (Fosse) i scenicznych wersjach starych filmów (Footloose, Gorączka sobotniej nocy), a także wciąż działających megamusicalach z poprzedniej dekady. Jednak od 2000 roku Broadway został zaskoczony nowym odrodzeniem amerykańskich komedii muzycznych. The Producers, Urinetown, Thoroughly Modern Millie, Hairspray – zabawne, melodyjne i pomysłowo wystawione, te przebojowe przedstawienia dały nową nadzieję temu gatunkowi.
Co czeka nas w przyszłości? Trudno powiedzieć, ale z pewnością powstaną nowe musicale. Musical może pójść w miejsca, do których niektórzy z jego fanów nie będą chcieli podążać, ale forma ta będzie żyła tak długo, jak ludzie będą lubili historię opowiedzianą piosenkami.
Dodaj komentarz