Le storie sono parte integrante della cultura umana e lo storytelling è senza tempo. Nella pratica fotografica, lo storytelling visivo è spesso chiamato “photo essay” o “photo story”. È un modo per un fotografo di raccontare una storia con una serie di fotografie. Quello di cui pochi si rendono conto è che c’è una differenza tra la fotografia e la narrazione visiva attraverso la fotografia.

Se consideriamo la narrazione come un’arte allora, come disse Leo Tolstoj, dovrebbe essere assolutamente contagiosa, dove contagia lo spettatore con i sentimenti che lui o lei ha vissuto, così che altre persone siano contagiate a loro volta da queste esperienze. La frase “un’immagine vale più di mille parole” giustifica di per sé l’arte della narrazione visiva, tuttavia questo non significa che tutte le fotografie narrino una storia.

Nella narrazione visiva, le immagini sono ordinate in un modo specifico, in ordine cronologico o in serie, con lo scopo di ‘contagiare’ la visione e la mente dello spettatore, proprio come diceva Tolstoj.

Anche le didascalie sono parte integrante di una storia fotografica che dovrebbe aiutare lo spettatore a capire ogni immagine. Detto questo, è importante ricordare che mentre le didascalie possono espandere la comprensione di un’immagine, è l’immagine stessa che dovrebbe raccontare la storia – mai il contrario.

Ecco i miei consigli migliori per iniziare la tua storia fotografica.

#1: Pianifica, pianifica e pianifica ancora

La pianificazione è una parte essenziale del processo di narrazione visiva. Un mio buon amico, il fotografo documentarista Kaushik Ghosh, una volta disse: “Ciò che la tua mente non sa, i tuoi occhi non possono vedere”. Questo è probabilmente più appropriato quando si pianifica il tuo saggio fotografico. Dovete pianificare bene in anticipo per visualizzare la storia. Fare questi passi in anticipo darà la struttura di cui hai bisogno per la tua narrazione.

Il tuo piano dovrebbe includere la selezione dell’argomento, la ricerca sull’argomento, chiarire il tuo argomento, e infine pianificare i tuoi scatti. Pensa al tipo di immagini che vuoi catturare per trasmettere il tuo messaggio. Proprio come un film, la vostra narrazione visiva dovrebbe avere un’inquadratura principale o di apertura, un’inquadratura iniziale, inquadrature interattive e sequenziali, e una conclusione o inquadratura di chiusura.

Spesso durante un servizio fotografico potresti non essere in grado di catturare le foto nell’ordine sopra menzionato. Tuttavia, tenere questo ordine in mente ti aiuterà a modificare la storia in meno tempo. Editare un saggio fotografico significa essenzialmente selezionare gli scatti, non la post-elaborazione nel software di imaging – che viene dopo.

Le tue immagini non saranno completate senza capire la luce, la composizione e la scelta dell’attrezzatura fotografica per il soggetto scelto. Un altro aspetto importante dovrebbe essere la decisione di rappresentare la narrazione a colori o in monocromia. Quando si post-elabora una serie di immagini è buona pratica mantenere il trattamento di editing coerente – questo aiuterà a rendere le immagini fluide.

#2: Scatto singolo o serie?

Spesso è un punto di discussione sui forum di fotografia se uno racconta meglio le storie con una singola immagine o con una serie di immagini. A questo proposito è importante ricordare che una singola immagine è solo una “mezza verità”, perché non ti dice mai il fondamentale di una storia, che è: “Perché?”.

Cosa significa questo? Quando si parla di fotografie, un’immagine potrebbe essere parzialmente vera, ma è solo una parte della verità intera e un’istantanea del quadro più grande. Questo lascia una parte del nostro cervello a interpretare l’immagine per conto suo, rendendo così difficile capire sempre il messaggio del fotografo. Non tutte le singole immagini raccontano una storia. Bisogna ricordare che un saggio fotografico non è altro che la compilazione di più immagini singole – queste sono le unità della narrazione visiva. Ogni singola immagine è un capitolo della storia, e ogni capitolo si svilupperà verso il culmine.

D’altra parte, una serie di fotografie permette al cervello di elaborare ogni immagine come un tutto. Una serie di immagini enfatizza diverse idee, mentre una singola immagine di solito enfatizza una sola idea. Tieni presente che la prima e l’ultima immagine di una serie sono le più importanti. Queste sono chiamate ‘immagini obiettivo’ – il tipo di immagini che aprono e chiudono la serie per catturare l’attenzione dello spettatore. Non è diverso dal giudicare un libro dalla sua copertina – un forte scatto di apertura fermerà le persone e le terrà nella storia dall’inizio alla fine.

#3: Prendi immagini più forti

Potresti avere delle foto brillanti che sono tecnicamente perfette; tuttavia, ci sono due elementi particolari che rendono un’immagine forte ancora più forte per un saggio fotografico.

In primo luogo, le immagini dovrebbero essere emotive per avere un qualche tipo di impatto emotivo sul tuo spettatore. Non tutte le immagini devono contenere un elemento umano per essere emotivamente commovente; piuttosto potrebbe essere qualsiasi cosa, da un paesaggio a una natura morta. Le immagini dovrebbero evocare un forte sentimento emotivo nella psiche dello spettatore.

In secondo luogo, le immagini dovrebbero essere ponderatamente stratificate di significato. Questo è il modo in cui si impegna l’attenzione dello spettatore per un periodo di tempo più lungo. Questo è di solito il processo più difficile per raccontare una storia con le fotografie.

Potresti non essere in grado di scattare consapevolmente immagini con diversi strati di significato, ma tieni sempre d’occhio queste immagini stratificate mentre scatti, selezioni e organizzi le immagini per la storia.

#4: Fidati del tuo istinto

Immagina di camminare attraverso una città frenetica con la tua macchina fotografica al collo per il tuo progetto di narrazione su “Trovare la calma nel caos”. C’è un suono costante di clacson mentre cerchi di schivare la tua strada attraverso il traffico. La tua mente corre, così come il tuo cuore: è un totale sovraccarico sensoriale.

Vedi un personaggio interessante dall’altra parte della strada, seduto tranquillamente a leggere il giornale in mezzo al caos. Stai cercando di trovare la tua pace nel caos e pensi tra te e te “questo è lo scatto”, così ti avvicini lentamente, alzi la macchina fotografica all’occhio e scatti l’otturatore.

Un minuto dopo senti il suono di un autobus che si ferma stridendo, il che ti fa girare la testa freneticamente per saltare via, ma mentre ti giri noti che l’autobus si sta fermando e la gente sta per scendere. C’è un uomo al finestrino seduto tranquillamente a fumare la sua sigaretta. In pochi secondi porti la macchina fotografica all’occhio e fai un altro scatto, inquadrando i passeggeri che saltano fuori dalle porte e l’uomo seduto al finestrino, tutto in un’unica inquadratura.

Questi sono due esempi di volte in cui mi sono fidato del mio istinto. Fidarsi del proprio istinto per scattare una foto è importante. In questo caso, trovare la pace tra il caos e catturarla nonostante la voglia di muoversi tra la folla senza scattare una sola foto.

La fotografia ha la capacità di catturare e congelare momenti nel tempo che non avremmo mai pensato prima di prendere in mano la macchina fotografica. Questi sono i momenti che ci ispirano come fotografi, e possono aiutarci a creare la nostra visione unica. Se noti qualcosa in particolare e pensi che possa essere una buona opportunità fotografica, cerca di non valutare troppo la situazione, piuttosto fidati del tuo istinto e vedi come si sviluppa. Ma, sii sicuro nel processo – il buon senso e il rispetto dovrebbero essere ancora nella tua mente.

#5: Sii originale

L’originalità nella fotografia sembra diventare secondaria per alcuni fotografi. Non è sempre facile creare qualcosa di unico con l’enorme numero di immagini che vengono create in questi giorni. Tuttavia è una buona pratica lottare per l’originalità. Perché? Beh, non c’è davvero nessuna soddisfazione nel copiare il lavoro di qualcun altro. Tutti noi abbiamo copiato l’idea di qualcun altro, o siamo stati ispirati da un’immagine che abbiamo trovato online o in una rivista – è un tratto umano, anche se per distinguersi dalla folla si dovrebbe tenerlo a mente quando si scatta – soprattutto se si vuole che la propria serie fotografica si distingua.

#6: Non avere paura del fallimento

La paura del fallimento è legata alla paura del rifiuto e delle critiche da parte degli altri, così come la procrastinazione. Smettila di pensare in questo modo e liberati da questi pensieri negativi. È perfettamente normale e sano fallire. Tutte le persone di successo hanno fallito; è parte del miglioramento e la porta del successo. Lo stesso principio si applica alla fotografia. Fallire vi aiuterà a capire la formula che funziona meglio per voi e alla fine vi ripagherà nel vostro lavoro con un po’ di persistenza e dedizione al successo. Vai, scatta, fallisci e cresci!

Circa l’autore: Drew Hopper è un fotografo di viaggi e paesaggi con sede in Australia. Catturato dalla diversità delle culture, delle persone e dell’ambiente, Drew si avventura in lungo e in largo per catturare immagini che definiscono le sue esperienze con la visione che esse avranno un impatto e ispireranno un pubblico in un modo individuale per ogni spettatore. Potete trovare altri suoi lavori e scritti sul suo sito web, blog, Facebook, Instagram, Twitter e 500px.

Crediti d’immagine: Tutte le fotografie di Drew Hopper e usate con permesso

.