Musicals On Stage:
A Capsule History
di John Kenrick
(Copyright 1996-2003)
Gli antichi greci avevano commedie con canzoni, e le commedie romane includevano canti e danze. Ma la musica di queste epoche è scomparsa molto tempo fa, quindi non hanno avuto una vera influenza sullo sviluppo del teatro musicale e del film moderno. Il Medioevo ha portato i menestrelli itineranti e le morali musicali messe in scena dalle chiese, ma queste hanno avuto poca o nessuna influenza sullo sviluppo del musical come forma d’arte.
Anche se c’erano molti intrattenimenti musicali sul palco nel 1700, nessuno di loro era chiamato “musical”. Il primo lavoro duraturo in lingua inglese di questo periodo fu The Beggar’s Opera (1728) di John Gay, un’opera ballata che reimpostava melodie popolari dell’epoca su testi che si adattavano ad una parodia satirica di cittadini rispettabili che non sono migliori di comuni ladri. Questa, e altre ballad opera inglesi, burlettas e pantomime, formarono la maggior parte dei musical offerti sui palcoscenici americani fino all’inizio del 1800.
Il musical come lo conosciamo ha alcune delle sue radici nelle Operette francesi e viennesi del 1800. Le opere satiriche di Jacques Offenbach (Parigi) e le commedie romantiche di Johann Strauss II (Vienna) furono i primi musical a raggiungere la popolarità internazionale. Le operette continentali furono ben accolte in Inghilterra, ma lì il pubblico preferiva il formato di varietà più sciolto del Music Hall.
Mentre il musical contemporaneo di Broadway prese la sua forma dall’operetta, prese la sua anima comica dagli spettacoli di varietà che deliziarono l’America dalla metà del 1800 in poi. Il rozzo Variety americano e i Minstrel Shows alla fine lasciarono il posto ai piaceri più raffinati del Vaudeville – e allo spirito chiassoso del Burlesque.
Il successo di The Black Crook (1860) aprì la strada allo sviluppo dei musical americani negli anni 1860, incluse le stravaganze, le pantomime e le farse musicali di Harrigan & Hart. Le operette comiche di Gilbert & Sullivan (1871-1896) erano spiritose, melodiose e squisitamente prodotte e portarono a nuovi standard di produzione teatrale. Dopo Gilbert e Sullivan, il teatro in Gran Bretagna e negli Stati Uniti fu ridefinito prima dall’imitazione, poi dall’innovazione.
Durante i primi anni del 1900, importazioni come Franz Lehars The Merry Widow (1907) ebbero un’enorme influenza sul musical di Broadway, ma i compositori americani George M. Cohan e Victor Herbert diedero alla commedia musicale americana un suono e uno stile distintivo. Poi (1910) Jerome Kern, Guy Boulton e P.G. Wodehouse fecero un passo avanti con gli spettacoli del Princess Theatre, mettendo sul palcoscenico musicale persone e situazioni credibili. Negli stessi anni, Florenz Ziegfeld introdusse le sue Follies, l’ultima rivista teatrale.
Negli anni 1920, la commedia musicale americana guadagnò un’influenza mondiale. Broadway vide il debutto di Cole Porter, Rodgers e Hart, i Gershwin e molti altri. Gli inglesi contribuirono con diverse rassegne intime e introdussero il poliedrico Noel Coward. Kern e Oscar Hammerstein II scrissero l’innovativo Showboat (1927) il successo più duraturo degli anni venti.
La Grande Depressione non fermò Broadway infatti, gli anni trenta videro la spensierata commedia musicale raggiungere il suo zenit creativo. The Gershwins Of Thee I Sing (1931) fu il primo musical in assoluto a vincere il Premio Pulitzer per il teatro. Rodgers & Hart (On Your Toes – 1936) e Cole Porter (Anything Goes 1934) contribuirono con la loro parte di spettacoli e canzoni di successo duraturo.
Gli anni 40 iniziarono con la commedia musicale come al solito, ma Rodgers & Hart Pal Joey e Weill e Gershwins Lady in the Dark aprirono la strada a musical più realistici. Rodgers e Hammersteins Oklahoma (1943) fu la prima commedia musicale completamente integrata, usando ogni canzone e ballo per sviluppare i personaggi o la trama. Dopo Oklahoma, il musical non sarebbe più stato lo stesso, ma i compositori Irving Berlin (Annie Get Your Gun – 1946) e Cole Porter (Kiss Me Kate 1947) si dimostrarono presto pronti ad adattarsi al musical integrato.
Negli anni 50, la musica di Broadway era la musica popolare del mondo occidentale. Ogni stagione portava un nuovo raccolto di musical classici di successo che erano attesi e celebrati dal grande pubblico. Grandi storie, raccontate con canzoni e balli memorabili erano all’ordine del giorno, con il risultato di successi indimenticabili come The King and I, My Fair Lady, Gypsy e decine di altri. Questi musical sono stati plasmati da tre elementi chiave:
Compositori: Rodgers & Hammerstein, Loesser, Bernstein
Direttori: George Abbott, Jerome Robbins, Bob Fosse
Stelle femminili: Gwen Verdon, Mary Martin, Ethel Merman
All’inizio, gli anni ’60 furono sempre gli stessi, con Broadway che sfornava successi da record (Hello, Dolly!, Fiddler on the Roof). Ma quando i gusti musicali popolari si sono spostati, il musical è rimasto indietro. Il musical rock “happening” Hair (1968) fu salutato come una pietra miliare, ma inaugurò un periodo di confusione nel teatro musicale.
Il compositore/liricista Stephen Sondheim e il regista Hal Prince rifocalizzarono il genere negli anni ’70 introducendo spettacoli di concept musical costruiti intorno a un’idea piuttosto che a una trama tradizionale. Company (1970), Follies (1972) e A Little Night Music (1973) ebbero successo, mentre i musical rock passarono rapidamente in secondo piano. Il musical concettuale raggiunse l’apice con A Chorus Line (1974), concepito e diretto da Michael Bennett. No, No, Nanette (1973) diede inizio ad una serie di revival popolari degli anni ’70, ma alla fine del decennio la linea di battaglia era tracciata tra nuovi lavori seri (Sweeney Todd) e mega-musicali inglesi pesantemente commercializzati (Evita).
Il pubblico si pronunciò pesantemente a favore dei mega-musicali, così gli anni ’80 portarono a Broadway una successione di “Brit hits” di lunga durata Cats, Les Miserables, Phantom of the Opera e Miss Saigon erano leggeri nel contenuto intellettuale e pesanti negli effetti speciali e nel marketing.
Negli anni ’90, i nuovi mega-musicali non conquistavano più il pubblico, e i costi erano così alti che anche i successi di lunga durata (Crazy for You, Sunset Boulevard) non erano in grado di produrre profitti a Broadway. I nuovi musical da palcoscenico ora richiedevano l’appoggio di corporazioni multimilionarie per svilupparsi e avere successo, una tendenza dimostrata dal Re Leone di Disney e dal Ragtime di Livents. Persino Rent e Titanic furono promossi da entità corporative più piccole, basate a Broadway.
Quando il 20° secolo finì, il teatro musicale era in uno stato incerto, basandosi su numeri rivisitati (Fosse) e versioni teatrali di vecchi film (Footloose, Saturday Night Fever), così come i mega-musicali ancora in corso del decennio precedente. Ma a partire dal 2000, una nuova rinascita delle commedie musicali americane ha colto Broadway di sorpresa. The Producers, Urinetown, Thoroughly Modern Millie, Hairspray – divertenti, melodici e inventivamente messi in scena, questi spettacoli di successo hanno offerto nuove speranze per il genere.
Cosa ci aspetta in futuro? È difficile da dire, ma ci saranno sicuramente nuovi musical. Il musical può andare in posti che alcuni dei suoi fan non vorranno seguire, ma la forma vivrà finché alla gente piacerà una storia raccontata con le canzoni.
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