Utveckling av operastilar i andra italienska städer

Flera andra italienska städer utvecklade snart igenkännbara operastilar under 1600-talet. I Rom, där rika prelater blev brinnande sponsorer av opera, utvidgade librettisterna ämnesområdet till att omfatta helgonlegender. De flesta av den tidens romerska kompositörer, som Stefano Landi, Domenico Mazzocchi, Luigi Rossi och Michelangelo Rossi, följde den florentinska traditionen genom att inkludera vokalensembler och körfinaler (med dans) för varje akt. De avvek från den florentinska stilen genom att öka kontrasten mellan ariorna och recitativen, låta ariorna avbryta den dramatiska kontinuiteten och göra recitativen mer talliknande och mindre intressanta musikaliskt. De använde också komiska episoder för att lätta upp övervägande tragiska berättelser (som venetianarna gjorde) och införde instrumentala ouvertyrer och ouvertyrliknande stycken som föregick akter eller delar av akter.

Två romerska kompositörer – Mazzocchis bror Virgilio och Marco Marazzoli – nämns ofta som de som har skapat den första helt och hållet komiska operan, Chi soffre speri (1639; ”Han som lider, hoppas”). Dess libretto skrevs av Giulio kardinal Rospigliosi, som skulle upphöjas till påve 1667 som Clemens IX. Rospigliosis mest berömda libretto, Sant’ Alessio (1632; ”Sankt Alexis”), fick en uppsättning av Landi som krävde en helt manlig rollbesättning, inklusive castrati i kvinnorollerna – ett annat kännetecken för opera i Rom, där kvinnor inte fick sjunga på scenen. Operan återupplivades framgångsrikt i slutet av 1900-talet, med en ny ras av välutbildade, virtuosa countertenorer som tog de roller som ursprungligen var avsedda för kastrater.

Operan var också en viktig del av musiklivet i Neapel, där stadens första permanenta operahus, Teatro San Bartolomeo, etablerades i mitten av 1600-talet. År 1700 konkurrerade Neapel med Venedig som centrum för italiensk opera, vilket till stor del berodde på Alessandro Scarlattis verk och inflytande, som hade gjort sig känd i Rom. Scarlatti skrev minst 32 av sina 66 operor för San Bartolomeo mellan 1684 och 1702, innan det spanska tronföljdskriget (1701-14) fick honom att återvända till Rom. Av hans operor representerar La caduta de’ Decemviri (1697; ”Decemvirernas fall”) – på ett libretto av Silvio Stampiglia som innehåller inte mindre än 62 arior – Scarlatti på toppen av sin teaterkarriär. Han fortsatte att skriva operor för Rom, Florens och Venedig innan han återvände till Neapel 1709. Där hade dock stilen i hans operor vid det laget börjat bli omodern.

En nyklassisk rörelse inom operan, som hade sitt ursprung i Venedig i slutet av 1600-talet, hade börjat rensa libretterna från komiska scener och karaktärer och krävde enklare intriger, baserade på de franska dramatikerna Pierre Corneille och Jean Racines tragedier, som använde sig av ett upphöjt språk och upprätthöll det klassiska idealet om tidens, platsens och handlingens enhet, vilket krävde att librettot skulle ha en enda intrig som utspelade sig under samma dag och på en enda plats eller i en enda miljö. Dessa värden återspeglades i en typ av opera som kallas opera seria (plural: opere serie), eller ”seriös opera”, till skillnad från opera buffa (plural: opere buffe), eller ”komisk opera”. Scarlattis opere serier är exemplariska i sin användning av enhetliga intriger med färre än tio karaktärer, vars känslor och personligheter uttrycks i en serie da capo arior, en typ av aria som särskilt förknippas med neapolitanska opere serier. Da capo arian var en storskalig form i tre sektioner (ABA), där den tredje upprepar den första ”från capo, eller huvudet” – det vill säga från början. Formen bestod av en kärnfull, rimmad dikt vars huvudtanke fångades av ett eller två karakteristiska musikaliska motiv som utvidgades till ett genomarbetat solo fullt av musik- och textrepetitioner inramat av instrumentala ritornelli. Kompositörens mål med varje aria var att skildra en eller två känslor bland ett brett spektrum av passioner för att skapa ett musikaliskt porträtt av en viss karaktärs sinnestillstånd vid den aktuella tidpunkten i handlingen – en funktion som liknar den som den actionstoppande filmiska närbildsbilden har i dag. Scarlatti gav sina arior en ovanlig kvalitet och ett ovanligt djup och försåg dem med en rik och varierad instrumentering.

Noterbara bland Scarlattis omedelbara efterföljare var kompositörer som Nicola Porpora, Leonardo Vinci och Leonardo Leo. Denna generation samarbetade ofta med den dramatiska poeten Pietro Trapassi, känd som Metastasio – kanske den störste av 1700-talets librettister, vars verk tonsattes av cirka 400 kompositörer ända in på 1800-talet. Metastasio och hans venetianska föregångare Apostolo Zeno fortsatte att basera sina libretton på grekisk-romerska legender och pseudohistoria, med intriger som kretsade kring Dido, Alexander den store och Titus snarare än mytologiska hjältar. Metastasio och hans venetianska föregångare Apostolo Zeno skrev texter av formell skönhet och språklig klarhet, och föredrog högtidliga, vanligtvis tragiska ämnen (opera seria) i tre akter framför komiska episoder och karaktärer.

Tecknet neapolitansk opera kom, förutom att det förknippas med opera seria, också att beteckna en lätt smickrande stil, ibland kallad galant, som byggde på att graciösa vokalmelodier, presenterade i symmetriska, balanserade fraser, stod i förgrunden. Dessa melodier ställdes mot ett enklare ackompanjemang som var fritt från de drivande rytmerna i tidigare arior (från barockperioden, som ungefär motsvarar 1600-talet och början av 1700-talet) och som stödde snarare än konkurrerade med rösten. Många av de kvaliteter som kom att förknippas med den så kallade wienerklassiska stilen på 1700-talet – särskilt Joseph Haydns, Wolfgang Amadeus Mozarts och Ludwig van Beethovens instrumentalmusik – hade sitt ursprung i den neapolitanska operans stämningsfulla sångstil.

För 1730 hade den italienska operan, ibland i översättning, anlänt till omkring 130 europeiska städer och orter, från Köpenhamn till Madrid och från London till Moskva. De alltmer rigida och odramatiska konventionerna i opera seria föranledde kritik – till exempel den bittra satiren Il teatro alla moda (”Teater à la Mode”) som publicerades 1720 av den venetianske kompositören, poeten och statsmannen Benedetto Marcello. Grundelementen recitativ och aria, tillfälliga ensembler och körer har bevarats fram till i dag, även om deras proportioner i förhållande till varandra har varierat. På 1700-talet var den italienska operan verkligen ett internationellt medium och det enda medel genom vilket en framgångsrik kompositör kunde nå berömmelse och rikedom.