Rappare har sjungit på sina låtar från allra första början. Man behöver bara lyssna på Kevie Kevs ”All Night Long” för att höra melodin göra sin väg in i några av de tidigaste rimmen. På senare år har det dock blivit ett populärt tankesätt att hylla Drake för att han inte bara har populariserat sammansmältningen av rap och R&B, utan också varit en pionjär på området.
Det går inte att förneka att en biprodukt av Drakes väg till toppen av rapvärlden har varit att gränserna mellan hiphop, pop och R&B har suddats ut. ”Hotline Bling”, liksom många av Drakes största hits, är agnostisk i sin stil och har bidragit till att röja en väg för en mainstream där popkrokar och hiphopproduktion sitter bekvämt bredvid varandra.
I en värld där popstjärnor som Justin Bieber och Ariana Grande glänser både stil och kadens från hiphopvärlden är det svårt att föreställa sig att rappare en gång i tiden var tvungna att livnära sig på rester från mainstream för att få exponering för en bredare publik. När man lyssnar på CBC:s This Is Not A Drake Podcast får man dock en tydlig och nyanserad bild av hur sång och rappning ständigt har kretsat kring varandra, och att de har börjat som fiender för att sedan korsa vägar med allt jämnare mellanrum och så småningom smälta samman till ett. Podcasten, en ny serie på sex avsnitt med Ty Harper som värd och som nu är ute via CBC, använder Drakes uppgång och efterföljande superstjärnighet som en lins genom vilken man kan betrakta olika aspekter av hiphopkulturen. I det fjärde och mest framstående avsnittet ger Harper och en rad gäster en djupgående historik om sammanflödet mellan rap och R&B-stilar, och tar upp allt från trångsynta radioprogrammerare på 1980-talet till den spelförändrande introduktionen av Autotune i produktionsstudion.
Det exakta ögonblicket du sätter fingret på rappare som sjunger och sångare som rappar beror troligen på din ålder. Kanske tror du att det är när Roxanne Shante dök upp i ”Loosey’s Rap”, Rick James-hiten från 1988, eller när Eric B och Rakim dök upp tillsammans med Jody Watley i ”Friends” året därpå. New Jack Swing byggde onekligen på ett sammanflöde av R&B-struktur med en swagger och maskulinitet direkt från hiphop, så det är kanske där man ska plantera flaggan. Lyssna på vilken Teddy Riley-producerad hit som helst och det är svårt att förneka melodierna som sticker ut lika starkt som de färgglada överdimensionerade kläderna. På 90-talet bröts murarna ner ytterligare av artister som Bone Thugs-N-Harmony, som visade en mjukare sida av decenniet än Biggies och Tupacs hårdkokta och decenniedeklarerande rim. Kampen för att bli erkänd som maskulin samtidigt som man förlitade sig på sång och melodier i sin musik var dock verklig.
Inför 50 Cent, en muskulös gangsterrappare från New York vars trovärdighet berodde på att han hade blivit skjuten nio gånger. Hans uppkomst representerar kanske en exakt mittpunkt mellan hur saker och ting var och vad de fortsatte att bli. Albumet Get Rich Or Die Tryin’ från 2003 var en stridslös samling berättelser från gatan som skildrade ett liv med hög risk och ännu högre belöning. Det var också en samling låtar som var rika på melodier, och 50:s slentrianmässiga framförande gav låtar som ”Many Men” och ”P.I.M.P.” en extra sångkänsla. Dessa två fakta orsakade ett tektoniskt skifte i kulturen varefter det inte längre ansågs ”mjukt” att sjunga på sina rapspår, och det var inte heller nödvändigt att vända sig till en R&B-sångare för att få hjälp. Som Phonte från Little Brother, ett annat namn som ofta krediteras för att ha varit pionjär i det sound som Drake populariserade, berättar i podcasten: ”50 Cent representerade den traditionella bilden av maskulinitet, den muskulösa, tuffa killen. Folk trodde att om han kunde komma undan med att sjunga så var körfältet öppet.”
Den körbanan fylls snart av artister som T-Pain och Kanye West som använder Auto-Tune på alltmer experimentella sätt, tar de pusselbitar som 50 Cent blandade ihop och skapar en ny, mer introspektiv bild för sig själva och hiphop också. Mark Anthony Neil, professor i svart populärkultur vid Duke University, menar att Drakes förmåga att på ett naturligt sätt göra det som Kanye använde en vocoder för hjälpte till att driva honom framåt. ”Auto-tune är en upplevelse utanför kroppen, men det är ett sätt att föra in melodi i hiphop på ett sätt som rappning inte tillåter”, säger Neil till Harper i det fjärde avsnittet av This Is Not A Drake Podcast. ”Drake hittade ett sätt i sin naturliga röst att utnyttja det inre utan att behöva använda sig av den där utanförkroppsliga upplevelsen. Det som gör Drake till Drake är att han hävdade detta och förde tillbaka det till den faktiska kroppen.”
Det finns många namn man skulle kunna kasta in i mixen längs den här resan. Lauryn Hill, Andre 3000, Bell Biv Devoe och deras ”hiphop utjämnad på r&b-spetsen med en popkänsla” kommer alla på tal. Slå på radion nu och lyssna på Lil Baby, Gunna och Lil Uzi Vert som för vidare linjen av främmande kadenser som de lärt sig av Atlantas förfäder Future och Young Thug. Så nej, Drake uppfann inte idén om att sjunga och rappa tillsammans. Och ändå, skulle poplandskapet låta som det gör i dag om Drake inte hade gått den specifikt melodiska väg han gjorde för att komma dit han är i dag? Väggarna mellan genrerna har spruckit sedan dag ett. Drake, till sin ära och lycka, råkade bara befinna sig mitt i en refräng när de kollapsade helt och hållet.
Lyssna på This Is Not A Drake Podcast nu via CBC.
Lämna ett svar