Musicales sur scène:
Une histoire en capsule
par John Kenrick
(Copyright 1996-2003)
Les Grecs anciens avaient des pièces de théâtre avec des chansons, et les comédies romaines comprenaient des routines de chant et de danse. Mais la musique de ces époques a disparu depuis longtemps, si bien qu’elles n’ont pas eu de réelle influence sur le développement du théâtre musical et du cinéma modernes. Le Moyen-Âge a apporté des ménestrels ambulants et des pièces de moralité musicales mises en scène par les églises, mais ils ont eu peu ou pas d’influence sur le développement des comédies musicales en tant que forme d’art.
Bien qu’il y ait eu de nombreux divertissements musicaux sur scène dans les années 1700, aucun d’entre eux n’était appelé « comédie musicale ». La première œuvre durable de langue anglaise de cette période est The Beggar’s Opera (1728) de John Gay, un opéra-ballade qui réinitialise les airs populaires de l’époque sur des paroles qui correspondent à une parodie satirique de citoyens respectables qui ne valent pas mieux que de vulgaires voleurs. Cet opéra, ainsi que d’autres opéras-ballades, burlettas et pantomimes britanniques, ont constitué la majorité des comédies musicales proposées sur les scènes américaines jusqu’au début des années 1800.
La comédie musicale telle que nous la connaissons trouve certaines de ses racines dans les opérettes françaises et viennoises des années 1800. Les œuvres satiriques de Jacques Offenbach (Paris) et les comédies romantiques de Johann Strauss II (Vienne) ont été les premières comédies musicales à atteindre une popularité internationale. Les opérettes continentales ont été bien accueillies en Angleterre, mais le public y a préféré le format de variété plus lâche du Music Hall.
Si la comédie musicale contemporaine de Broadway a tiré sa forme de l’opérette, elle a tiré son âme comique des divertissements de variété qui ont enchanté l’Amérique à partir du milieu des années 1800. Les Variétés américaines grossières et les Minstrel Shows ont finalement cédé la place aux plaisirs plus raffinés du Vaudeville — et à l’esprit tapageur du Burlesque.
Le succès de The Black Crook (1860) a ouvert la voie au développement des comédies musicales américaines dans les années 1860, y compris les extravagances, les pantomimes et les farces musicales de Harrigan &Hart. Les opérettes comiques de Gilbert & Sullivan (1871-1896) étaient spirituelles, mélodieuses et produites de manière exquise, ce qui a conduit à de nouvelles normes de production théâtrale. Après Gilbert et Sullivan, le théâtre en Grande-Bretagne et aux États-Unis a été redéfini d’abord par l’imitation, puis par l’innovation.
Au début des années 1900, des importations comme Franz Lehars The Merry Widow (1907) ont eu une énorme influence sur la comédie musicale de Broadway, mais les compositeurs américains George M. Cohan et Victor Herbert ont donné à la comédie musicale américaine un son et un style distinctifs. Puis (dans les années 1910), Jerome Kern, Guy Boulton et P.G. Wodehouse ont poussé la chose encore plus loin avec les spectacles du Princess Theatre, en mettant des personnes et des situations crédibles sur la scène musicale. Au cours des mêmes années, Florenz Ziegfeld présente ses Follies, la revue de scène ultime.
Dans les années 1920, la comédie musicale américaine gagne une influence mondiale. Broadway a vu les débuts de la composition de Cole Porter, Rodgers et Hart, les Gershwin et bien d’autres. Les Britanniques ont contribué à plusieurs revues intimes et ont présenté le multi-talentueux Noel Coward. Kern et Oscar Hammerstein II ont écrit l’innovant Showboat (1927), le succès le plus durable des années 1920.
La Grande Dépression n’a pas arrêté Broadway en fait, les années 1930 ont vu la comédie musicale légère atteindre son zénith créatif. The Gershwins Of Thee I Sing (1931) fut la première comédie musicale à remporter le prix Pulitzer de l’art dramatique. Rodgers & Hart (On Your Toes – 1936) et Cole Porter (Anything Goes 1934) ont apporté leur part de spectacles et de chansons à succès durables.
Les années 1940 ont commencé par des comédies musicales business-as-usual, mais Rodgers &Harts Pal Joey et Weill et Gershwins Lady in the Dark ont ouvert la voie à des comédies musicales plus réalistes. Rodgers et Hammersteins Oklahoma (1943) a été la première pièce musicale entièrement intégrée, utilisant chaque chanson et chaque danse pour développer les personnages ou l’intrigue. Après Oklahoma, la comédie musicale ne serait plus jamais la même, mais les compositeurs Irving Berlin (Annie Get Your Gun – 1946) et Cole Porter (Kiss Me Kate 1947) se sont rapidement montrés prêts à s’adapter à la comédie musicale intégrée.
Durant les années 1950, la musique de Broadway était la musique populaire du monde occidental. Chaque saison apportait une nouvelle récolte de comédies musicales classiques à succès qui étaient attendues avec impatience et célébrées par le grand public. Les grandes histoires, racontées avec des chansons et des danses mémorables, étaient à l’ordre du jour, donnant lieu à des succès inoubliables tels que Le Roi et moi, My Fair Lady, Gypsy et des dizaines d’autres. Ces comédies musicales ont été façonnées par trois éléments clés :
Compositeurs : Rodgers & Hammerstein, Loesser, Bernstein
Metteurs en scène : George Abbott, Jerome Robbins, Bob Fosse
Vedettes féminines : Gwen Verdon, Mary Martin, Ethel Merman
Au début, les années 1960 ont été plus ou moins les mêmes, Broadway produisant des succès records (Hello, Dolly !, Fiddler on the Roof). Mais comme les goûts musicaux populaires ont changé, la comédie musicale a été laissée de côté. La comédie musicale rock « happening » Hair (1968) a été saluée comme un point de repère, mais elle a inauguré une période de confusion dans le théâtre musical.
Le compositeur/lyricien Stephen Sondheim et le metteur en scène Hal Prince ont recentré le genre dans les années 1970 en introduisant des spectacles musicaux conceptuels construits autour d’une idée plutôt que d’une intrigue traditionnelle. Company (1970), Follies (1972) et A Little Night Music (1973) ont connu le succès, tandis que les comédies musicales rock sont rapidement passées au second plan. Le concept de comédie musicale atteint son apogée avec A Chorus Line (1974), conçu et réalisé par Michael Bennett. No, No, Nanette (1973) a initié une série de reprises populaires dans les années 1970, mais à la fin des décennies, la ligne de bataille était tracée entre les nouvelles œuvres sérieuses (Sweeney Todd) et les méga-musicales britanniques fortement commercialisées (Evita).
Le public a tranché lourdement en faveur des méga-musicales, de sorte que les années 1980 ont apporté une succession de « succès britanniques » de longue durée à Broadway Cats, Les Misérables, Phantom of the Opera et Miss Saigon étaient légers en contenu intellectuel et lourds en effets spéciaux et en marketing.
Dans les années 1990, les nouvelles méga-musicales ne séduisaient plus le public, et les coûts étaient si élevés que même les succès de longue date (Crazy for You, Sunset Boulevard) ne parvenaient pas à être rentables à Broadway. Les nouvelles comédies musicales ont désormais besoin du soutien d’entreprises multimillionnaires pour se développer et réussir, comme l’ont prouvé le Roi Lion de Disney et Ragtime de Livent. Même Rent et Titanic ont été encouragés par des entités corporatives plus petites, basées à Broadway.
À la fin du 20e siècle, le théâtre musical était dans un état incertain, s’appuyant sur des numéros rabâchés (Fosse) et des versions scéniques de vieux films (Footloose, Saturday Night Fever), ainsi que sur les méga-musicales toujours en cours de la décennie précédente. Mais à partir de l’an 2000, une nouvelle résurgence des comédies musicales américaines a pris Broadway par surprise. The Producers, Urinetown, Thoroughly Modern Millie, Hairspray — drôles, mélodiques et mis en scène de manière inventive, ces spectacles à succès ont offert un nouvel espoir au genre.
Que nous réserve l’avenir ? C’est difficile à dire, mais il y aura très certainement de nouvelles comédies musicales. La comédie musicale peut aller dans des endroits que certains de ses fans ne voudront pas suivre, mais la forme vivra tant que les gens aimeront une histoire racontée avec des chansons.
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