Les rappeurs chantent sur leurs chansons depuis le tout début. Il suffit d’écouter « All Night Long » de Kevie Kev, pour entendre la mélodie faire son chemin dans certaines des premières rimes. Cependant, ces dernières années, il est devenu courant d’acclamer Drake pour avoir non seulement popularisé la fusion du rap et du R&B, mais aussi pour en avoir été le pionnier.
On ne peut nier qu’un sous-produit du chemin de Drake vers le sommet du monde du rap a été le brouillage des lignes entre le hip-hop, la pop, et le R&B. « Hotline Bling », comme beaucoup des plus grands succès de Drake, est agnostique en termes de style et a contribué à dégager une voie pour un courant dominant dans lequel les crochets pop et la production hip-hop se côtoient confortablement.
Dans un monde où des stars de la pop comme Justin Bieber et Ariana Grande glanent à la fois le style et la cadence du monde du hip-hop, il est difficile d’imaginer que les rappeurs étaient autrefois obligés de se nourrir des miettes du courant dominant afin de s’exposer à un public plus large. Cependant, l’écoute du podcast This Is Not A Drake de la CBC permet d’avoir une idée claire et nuancée de la façon dont le chant et le rap ont constamment tourné autour de l’autre, en commençant par être des ennemis avant de se croiser à intervalles de plus en plus réguliers et de finir par fusionner. Le podcast, une nouvelle série de six épisodes animée par Ty Harper et diffusée dès maintenant par la CBC, utilise l’ascension et la superstar subséquente de Drake comme une lentille à travers laquelle on peut voir différents aspects de la culture hip-hop. Dans son quatrième et meilleur épisode, Harper et une foule d’invités offrent une histoire approfondie de la confluence entre les styles rap et R&B, en prenant tout, des programmateurs radio des années 1980 à l’esprit fermé à l’introduction d’Autotune dans le studio de production, qui a changé la donne.
Le moment exact où vous situez les rappeurs qui chantent et les chanteurs qui rappent dépend probablement de votre âge. Peut-être pensez-vous que c’est lorsque Roxanne Shante est apparue sur « Loosey’s Rap », le tube de Rick James de 1988, ou lorsque Eric B et Rakim ont surgi aux côtés de Jody Watley sur « Friends » l’année suivante. L’émergence du New Jack Swing s’est indéniablement construite sur une confluence de la structure R&B avec une démarche et une masculinité tout droit sorties du hip-hop, alors peut-être est-ce là qu’il faut planter le drapeau. Écoutez n’importe quel tube produit par Teddy Riley et il est difficile de nier les mélodies qui ressortent aussi brillamment que les vêtements colorés et surdimensionnés. Dans les années 90, des groupes comme Bone Thugs-N-Harmony ont fait tomber les murs en montrant un côté plus doux de la décennie que les rimes dures et dures de Biggie et Tupac. Cependant, la lutte pour être reconnu comme masculin tout en s’appuyant sur le chant et les mélodies dans votre musique était réelle.
Entrez 50 Cent, un rappeur gangster new-yorkais musclé dont la crédibilité reposait sur le fait qu’il avait été abattu neuf fois. Son émergence représente peut-être un point médian exact entre la façon dont les choses étaient et ce qu’elles sont devenues. L’album Get Rich Or Die Tryin’, sorti en 2003, est une collection d’histoires de la rue, marquées par des cicatrices, qui dépeignent une vie à haut risque et une récompense encore plus élevée. C’était aussi une collection de chansons riches en mélodie, la voix de 50 ajoutant une qualité de chant à des titres comme « Many Men » et « P.I.M.P. ». Ces deux faits ont provoqué un changement tectonique dans la culture, après quoi il n’était plus considéré comme « doux » de chanter sur vos morceaux de rap, et il n’était plus nécessaire de se tourner vers un chanteur R&B pour obtenir de l’aide. Comme le raconte Phonte de Little Brother, un autre nom souvent crédité comme pionnier du son popularisé par Drake, au podcast : « 50 Cent représentait l’image traditionnelle de la masculinité, le gars musclé et dur. Les gens ont pensé que s’il pouvait s’en sortir en chantant, alors la voie était ouverte. »
Cette voie est bientôt remplie par des artistes tels que T-Pain et Kanye West utilisant Auto-Tune de manière de plus en plus expérimentale, prenant les pièces du puzzle mélangées par 50 Cent et créant une nouvelle image plus introspective pour eux-mêmes et le hip-hop aussi. Mark Anthony Neil, professeur de culture populaire noire à l’université Duke, affirme que la capacité de Drake à faire naturellement ce pour quoi Kanye utilisait un vocodeur a contribué à le faire progresser. « L’auto-tune est une expérience hors du corps, mais c’est un moyen d’apporter de la mélodie au hip-hop d’une manière que le rap ne vous permet pas », explique Neil à Harper dans le quatrième épisode de This Is Not A Drake Podcast. « Drake a trouvé un moyen dans sa voix naturelle de puiser dans cette intériorité sans avoir à utiliser cette expérience hors du corps. Ce qui fait de Drake Drake, c’est qu’il a revendiqué cela et l’a ramené au corps réel. »
Il y a beaucoup de noms que vous pourriez jeter dans le mélange le long de ce voyage. Lauryn Hill, Andre 3000, Bell Biv Devoe et leur « hip-hop lissé sur la pointe r&b avec une touche pop » viennent tous à l’esprit. Allumez la radio maintenant et écoutez Lil Baby, Gunna et Lil Uzi Vert perpétuer la lignée des cadences étrangères qu’ils ont apprises des ancêtres d’Atlanta, Future et Young Thug. Donc non, Drake n’a pas inventé l’idée de chanter et rapper ensemble. Et pourtant, le paysage pop serait-il tel qu’il est aujourd’hui si Drake n’avait pas emprunté le chemin spécifiquement mélodique qu’il a emprunté pour arriver là où il est aujourd’hui ? Les murs entre les genres se sont fissurés depuis le premier jour. Drake, à son crédit et à sa chance, s’est juste trouvé au milieu d’un refrain quand ils se sont entièrement effondrés.
Écoutez This Is Not A Drake Podcast maintenant via la CBC.
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