Los musicales en escena:
Una historia resumida
por John Kenrick
(Copyright 1996-2003)
Los antiguos griegos tenían obras de teatro con canciones, y las comedias romanas incluían rutinas de canto y baile. Pero la música de estas épocas desapareció hace mucho tiempo, por lo que no tuvieron ninguna influencia real en el desarrollo del teatro y el cine musicales modernos. La Edad Media trajo consigo juglares ambulantes y obras morales musicales representadas por las iglesias, pero éstas tuvieron poca o ninguna influencia en el desarrollo de los musicales como forma de arte.
Aunque hubo muchos entretenimientos escénicos musicales en la década de 1700, ninguno de ellos fue llamado «musical». La primera obra duradera en lengua inglesa de este periodo fue The Beggar’s Opera (1728) de John Gay, una ópera balada que reajustaba las melodías populares de la época a una letra que se ajustaba a una burla satírica de ciudadanos respetables que no son mejores que vulgares ladrones. Ésta y otras óperas de baladas, burlettas y pantomimas británicas constituyeron la mayoría de los musicales ofrecidos en los escenarios estadounidenses hasta principios del siglo XIX.
El musical tal y como lo conocemos tiene algunas de sus raíces en las operetas francesas y vienesas del siglo XIX. Las obras satíricas de Jacques Offenbach (París) y las comedias románticas de Johann Strauss II (Viena) fueron los primeros musicales que alcanzaron popularidad internacional. Las operetas continentales fueron bien recibidas en Inglaterra, pero el público de ese país prefería el formato de variedades más flojo del Music Hall.
Si bien el musical contemporáneo de Broadway tomó su forma de la opereta, obtuvo su alma cómica de los espectáculos de variedades que deleitaron a Estados Unidos a partir de mediados del siglo XIX. Los burdos espectáculos americanos de variedades y juglares acabaron dando paso a los placeres más refinados del Vaudeville – y al espíritu alborotado del Burlesque.
El éxito de The Black Crook (1860) abrió el camino para el desarrollo de los musicales americanos en la década de 1860, incluyendo extravagancias, pantomimas y las farsas musicales de Harrigan & Hart. Las operetas cómicas de Gilbert & Sullivan (1871-1896) eran ingeniosas, afinadas y exquisitamente producidas, dando lugar a nuevos estándares de producción teatral. Después de Gilbert y Sullivan, el teatro en Gran Bretaña y Estados Unidos se redefinió primero por la imitación y luego por la innovación.
Durante los primeros años del siglo XX, importaciones como Franz Lehars The Merry Widow (1907) tuvieron una enorme influencia en el musical de Broadway, pero los compositores estadounidenses George M. Cohan y Victor Herbert dieron a la comedia musical estadounidense un sonido y un estilo distintivos. Luego (década de 1910) Jerome Kern, Guy Boulton y P.G. Wodehouse dieron un paso más allá con los espectáculos del Princess Theatre, poniendo en escena personas y situaciones creíbles. En esos mismos años, Florenz Ziegfeld presentó sus Follies, la revista escénica por excelencia.
En la década de 1920, la comedia musical estadounidense ganó influencia en todo el mundo. En Broadway debutaron como compositores Cole Porter, Rodgers y Hart, los Gershwin y muchos otros. Los británicos aportaron varias revisiones íntimas y presentaron al polifacético Noel Coward. Kern y Oscar Hammerstein II escribieron la innovadora Showboat (1927), el éxito más duradero de la década de 1920.
La Gran Depresión no detuvo a Broadway, de hecho, la década de 1930 vio cómo la comedia musical desenfadada alcanzaba su cenit creativo. The Gershwins Of Thee I Sing (1931) fue el primer musical que ganó el Premio Pulitzer de Teatro. Rodgers & Hart (On Your Toes – 1936) y Cole Porter (Anything Goes 1934) contribuyeron con su parte de espectáculos y canciones de éxito duradero.
La década de 1940 comenzó con la comedia musical habitual, pero Rodgers & Harts Pal Joey y Weill y Gershwins Lady in the Dark abrieron el camino a musicales más realistas. Oklahoma (1943), de Rodgers y Hammerstein, fue la primera obra musical totalmente integrada, que utilizaba todas las canciones y bailes para desarrollar los personajes o la trama. Después de Oklahoma, el musical nunca volvería a ser lo mismo, pero los compositores Irving Berlin (Annie Get Your Gun – 1946) y Cole Porter (Kiss Me Kate 1947) pronto demostraron estar preparados para adaptarse al musical integrado.
Durante la década de 1950, la música de Broadway era la música popular del mundo occidental. Cada temporada traía una nueva cosecha de musicales clásicos de éxito que eran esperados con impaciencia y celebrados por el público en general. Grandes historias, contadas con canciones y bailes memorables, estaban a la orden del día, dando lugar a éxitos inolvidables como El rey y yo, My Fair Lady, Gypsy y docenas más. Estos musicales se caracterizaron por tres elementos clave:
Compositores: Rodgers & Hammerstein, Loesser, Bernstein
Directores: George Abbott, Jerome Robbins, Bob Fosse
Estrellas femeninas: Gwen Verdon, Mary Martin, Ethel Merman
Al principio, los años 60 fueron más de lo mismo, con Broadway produciendo éxitos que batían récords (¡Hola, Dolly!, El violinista en el tejado). Pero cuando los gustos musicales populares cambiaron, el musical se quedó atrás. El musical rockero «happening» Hair (1968) fue aclamado como un hito, pero dio paso a un periodo de confusión en el teatro musical.
El compositor y letrista Stephen Sondheim y el director Hal Prince volvieron a centrar el género en la década de 1970 introduciendo espectáculos musicales conceptuales construidos en torno a una idea más que a una trama tradicional. Company (1970), Follies (1972) y A Little Night Music (1973) tuvieron éxito, mientras que los musicales de rock pasaron rápidamente a un segundo plano. El musical conceptual alcanzó su punto álgido con A Chorus Line (1974), concebido y dirigido por Michael Bennett. No, No, Nanette (1973) inició una serie de reposiciones populares en los años 70, pero al final de la década la línea de batalla se trazó entre las nuevas obras serias (Sweeney Todd) y los megamusicales británicos fuertemente comercializados (Evita).
El público se decantó en gran medida por los megamusicales, por lo que la década de los 80 trajo a Broadway una sucesión de «éxitos británicos» de larga duración Cats, Los Miserables, El Fantasma de la Ópera y Miss Saigon fueron ligeros en contenido intelectual y pesados en efectos especiales y marketing.
En la década de los 90, los nuevos megamusicales ya no ganaban al público, y los costes eran tan elevados que incluso los éxitos de larga duración (Crazy for You, Sunset Boulevard) eran incapaces de obtener beneficios en Broadway. Los nuevos musicales necesitaban el apoyo de empresas multimillonarias para desarrollarse y tener éxito, como demostraron el Rey León de Disney y Ragtime de Livent. Incluso Rent y Titanic fueron promovidos por entidades corporativas más pequeñas con sede en Broadway.
A finales del siglo XX, el teatro musical se encontraba en un estado incierto, recurriendo a números refritos (Fosse) y a versiones escénicas de viejas películas (Footloose, Fiebre del sábado noche), así como a los megamusicales aún en cartelera de la década anterior. Pero a partir del año 2000, un nuevo resurgimiento de las comedias musicales estadounidenses tomó a Broadway por sorpresa. The Producers, Urinetown, Thoroughly Modern Millie, Hairspray… divertidos, melódicos y con una puesta en escena inventiva, estos espectáculos de éxito ofrecieron una nueva esperanza para el género.
¿Qué nos espera en el futuro? Es difícil decirlo, pero seguro que habrá nuevos musicales. Puede que el musical llegue a lugares que algunos de sus fans no quieran seguir, pero la forma seguirá viva mientras a la gente le guste una historia contada con canciones.
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