Los raperos han cantado en sus canciones desde el principio. Basta con escuchar «All Night Long», de Kevie Kev, para oír cómo la melodía se abre paso en algunas de las primeras rimas. Sin embargo, en los últimos años se ha convertido en una corriente de pensamiento popular la de aclamar a Drake no sólo por popularizar la fusión del rap y el R&B, sino por ser el pionero.
No se puede negar que un subproducto del camino de Drake hacia la cima del mundo del rap ha sido la difuminación de las líneas entre el hip-hop, el pop y el R&B. «Hotline Bling», como muchos de los mayores éxitos de Drake, tiene un estilo agnóstico y ha contribuido a despejar un carril para un mainstream en el que los ganchos pop y la producción hip-hop se sientan cómodamente uno al lado del otro.
En un mundo en el que estrellas del pop como Justin Bieber y Ariana Grande se nutren tanto del estilo como de la cadencia del mundo del hip-hop, es difícil imaginar que los raperos se vieran obligados en su día a alimentarse de las migajas del mainstream para conseguir una mayor exposición al público. Sin embargo, escuchar el podcast This Is Not A Drake de la CBC ofrece un linaje claro y matizado de las formas en que el canto y el rap han orbitado constantemente el uno al otro, comenzando como enemigos antes de cruzar sus caminos a intervalos cada vez más regulares y finalmente fusionarse en uno. El podcast, una nueva serie de seis episodios presentada por Ty Harper y que ya está en circulación a través de la CBC, utiliza el ascenso de Drake y su posterior superestrellato como una lente a través de la cual ver diferentes aspectos de la cultura del hip-hop. En su cuarto y destacado episodio, Harper y una serie de invitados ofrecen una historia en profundidad de la confluencia entre el rap y los estilos R&B, abordando desde la mentalidad cerrada de los programadores de radio de los años 80 hasta la introducción del Autotune en el estudio de producción, que cambió el juego.
El momento exacto en el que identificas a los raperos cantando y a los cantantes rapeando probablemente dependa de tu edad. Quizá pienses que fue cuando Roxanne Shante apareció en «Loosey’s Rap», el éxito de Rick James de 1988, o cuando Eric B y Rakim aparecieron junto a Jody Watley en «Friends» al año siguiente. El surgimiento del New Jack Swing se construyó innegablemente sobre una confluencia de la estructura del R&B con una fanfarronería y una masculinidad directamente sacadas del hip-hop, así que quizá sea ahí donde hay que plantar la bandera. Escucha cualquier éxito producido por Teddy Riley y es difícil negar las melodías que sobresalen tan brillantemente como las coloridas ropas extravagantes. En los 90, los muros se derrumbaron aún más gracias a grupos como Bone Thugs-N-Harmony, que mostraron un lado más suave de la década que las duras rimas de Biggie y Tupac. Sin embargo, la lucha por ser reconocido como masculino mientras se confía en el canto y las melodías en su música era real.
Entra 50 Cent, un rapero gángster neoyorquino musculoso cuya credibilidad se basaba en que le habían disparado nueve veces. Su aparición representa quizás un punto medio exacto entre cómo eran las cosas y en qué se convirtieron. El álbum Get Rich Or Die Tryin’, de 2003, era una colección de historias de la calle con cicatrices de batalla que describían una vida de alto riesgo y una recompensa aún mayor. También era una colección de canciones ricas en melodía, con la voz arrastrada de los 50 añadiendo una cualidad cantada a temas como «Many Men» y «P.I.M.P.». Estos dos hechos provocaron un cambio tectónico en la cultura tras el cual ya no se consideraba «suave» cantar en tus temas de rap, ni era necesario recurrir a un cantante de R&B para que te ayudara. Como cuenta en el podcast Phonte, de Little Brother, otro nombre al que a menudo se le atribuye ser el pionero del sonido que popularizó Drake: «50 Cent representaba la imagen tradicional de la masculinidad, el tipo musculoso y duro. La gente pensó que si él podía salirse con la suya cantando, el carril estaba abierto».
Ese carril no tarda en ser ocupado por artistas como T-Pain y Kanye West que utilizan el Auto-Tune de forma cada vez más experimental, tomando las piezas del rompecabezas que 50 Cent mezcló y creando una nueva imagen más introspectiva para ellos mismos y también para el hip-hop. Mark Anthony Neil, profesor de Black Popular Cultureat de la Universidad de Duke, sostiene que la capacidad de Drake de hacer con naturalidad aquello para lo que Kanye utilizaba un vocoder le ayudó a avanzar. «El auto-tune es una experiencia fuera del cuerpo, pero es una forma de llevar la melodía al hip-hop de maneras que el rap no te permite», dice Neil a Harper en el cuarto episodio de This Is Not A Drake Podcast. «Drake encontró una manera en su voz natural de aprovechar esa interioridad sin tener que usar esa experiencia fuera del cuerpo. Lo que hace que Drake sea Drake es que reivindicó esto y lo trajo de vuelta al cuerpo real».
Hay muchos nombres que se podrían lanzar a lo largo de este viaje. Me vienen a la mente Lauryn Hill, Andre 3000, Bell Biv Devoe y su «hip-hop suavizado en la punta del r&b con un toque pop». Enciende la radio ahora y escucha a Lil Baby, Gunna y Lil Uzi Vert continuar el linaje de cadencias ajenas que aprendieron de los antepasados de Atlanta, Future y Young Thug. Así que no, Drake no inventó la idea de cantar y rapear juntos. Y sin embargo, ¿sonaría el panorama del pop como lo hace hoy si Drake no hubiera recorrido el camino específicamente melódico que recorrió para llegar a donde está hoy? Los muros entre géneros se han ido resquebrajando desde el primer día. Drake, para su crédito y buena fortuna, acaba de estar en medio de un estribillo cuando se derrumbaron por completo.
Escucha ahora This Is Not A Drake Podcast a través de la CBC.
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