Udvikling af operastil i andre italienske byer

I det 17. århundrede udviklede flere andre italienske byer snart en genkendelig operastil. I Rom, hvor rige prælater blev glødende sponsorer af operaen, udvidede libretterne emnerne til også at omfatte helgenlegender. De fleste af datidens romerske komponister, såsom Stefano Landi, Domenico Mazzocchi, Luigi Rossi og Michelangelo Rossi, fulgte den florentinske tradition ved at inkludere vokalensembler og korfinaler (med dans) for hver akt. De afveg fra den florentinske stil ved at øge kontrasten mellem arier og recitativer, ved at lade arier afbryde den dramatiske kontinuitet og ved at gøre recitativerne mere talende og mindre interessante musikalsk set. De brugte også komiske episoder til at lette de fremherskende tragiske historier (som venetianerne gjorde) og indførte instrumentale ouverturer og ouverturlignende stykker, der gik forud for akter eller afsnit af akter.

To romerske komponister – Mazzocchis bror Virgilio og Marco Marazzoli – nævnes ofte for at have skabt den første helt komiske opera, Chi soffre speri (1639; “Han, der lider, håber”). Dens libretto var skrevet af Giulio kardinal Rospigliosi, som skulle blive ophøjet til pave i 1667 som Clemens IX. Rospigliosis mest berømte libretto, Sant’ Alessio (1632; “Sankt Alexis”), blev sat i scene af Landi, hvilket krævede en mandlig besætning, herunder castrati i kvinderoller – et andet træk ved operaen i Rom, hvor kvinder ikke måtte synge på scenen. Operaen blev genoplivet med succes i slutningen af det 20. århundrede, hvor en ny race af højtuddannede, virtuose kontratenorer indtog de roller, der oprindeligt var tiltænkt kastrater.

Operaen var også en vigtig del af musiklivet i Napoli, hvor byens første permanente operahus, Teatro San Bartolomeo, blev etableret i midten af det 17. århundrede. I 1700 rivaliserede Napoli med Venedig som centrum for italiensk opera, hvilket i høj grad skyldtes værker og indflydelse fra Alessandro Scarlatti, der havde skabt sit ry i Rom. Scarlatti skrev mindst 32 af sine 66 operaer til San Bartolomeo mellem 1684 og 1702, inden den spanske arvefølgekrig (1701-14) fik ham til at vende tilbage til Rom. Af hans operaer repræsenterer La caduta de’ Decemviri (1697; “Decemvirernes fald”) – på en libretto af Silvio Stampiglia, der indeholder ikke færre end 62 arier – Scarlatti på højdepunktet af sin teaterkarriere. Han fortsatte med at skrive operaer for Rom, Firenze og Venedig, inden han i 1709 vendte tilbage til Napoli. Her var stilen i hans operaer dog på det tidspunkt begyndt at være forældet.

En nyklassicistisk bevægelse inden for operaen, der havde sin oprindelse i Venedig i slutningen af det 17. århundrede, var begyndt at rense librettoerne for komiske scener og karakterer og at kræve enklere plot, baseret på de franske dramatikere Pierre Corneilles og Jean Racines tragedier, der brugte et ophøjet sprog og opretholdt det klassiske ideal om enhed i tid, sted og handling, som krævede, at librettoen skulle have et enkelt plot, der foregik på én dag og på ét sted eller i én ramme. Disse værdier blev afspejlet i en type opera, der er kendt som en opera seria (flertal: opere serie) eller “seriøs opera” til forskel fra en opera buffa (flertal: opere buffe) eller “komisk opera”. Scarlattis opere serier er eksemplariske i deres brug af ensartede plot med mindre end 10 personer, hvis følelser og personligheder kommer til udtryk i en række da capo arier, en type arier, der især er forbundet med neapolitanske opere serier. Da capo arien var en storstilet form i tre afsnit (ABA), hvor det tredje gentager det første “fra capo, eller hoved” – dvs. fra begyndelsen. Formen bestod af et kortfattet, rimet digt, hvis hovedidé blev indfanget af et eller to karakteristiske musikalske motiver, der blev udvidet til en udførlig solo fuld af musik og tekstgengivelser indrammet af instrumentale ritornelli. Komponistens mål med hver aria var at skildre en eller to følelser blandt en bred vifte af lidenskaber for at skabe et musikalsk portræt af en given figurs sindstilstand på det pågældende tidspunkt i handlingen – en funktion, der i dag svarer til den filmiske close-up, der stopper handlingen. Scarlatti gav sine arier en usædvanlig kvalitet og dybde og forsynede dem med en rig og varieret instrumentering.

Noterede blandt Scarlattis umiddelbare efterfølgere var komponister som Nicola Porpora, Leonardo Vinci og Leonardo Leo. Denne generation samarbejdede ofte med den dramatiske digter Pietro Trapassi, kendt som Metastasio – måske den største af 1700-tallets librettister, hvis værker blev sat i scene af omkring 400 komponister indtil langt ind i det 19. århundrede. Metastasio og hans venetianske forgænger Apostolo Zeno fortsatte traditionen med at basere librettoer på græsk-romerske legender og pseudohistorie, hvor handlingen drejede sig om Dido, Alexander den Store og Titus snarere end om mytologiske helte, og de skrev tekster af formel skønhed og sproglig klarhed, idet de foretrak højtidelige, normalt tragiske emner (opera seria) i tre akter frem for komiske episoder og karakterer.

Udtrykket neapolitansk opera kom ud over sin tilknytning til opera seria også til at betegne en let indsmigrende stil, undertiden kaldt galant, som var baseret på forgrundens fremhævelse af yndefulde vokalmelodier, præsenteret i symmetriske, afbalancerede fraser. Disse melodier blev sat op mod et enklere akkompagnement, der var fri for de drivende rytmer fra tidligere arier (fra barokperioden, der omtrent svarer til det 17. og tidlige 18. århundrede), og som støttede stemmen snarere end konkurrerede med den. Mange af de kvaliteter, der blev forbundet med den såkaldte wienerklassiske stil i det 18. århundrede – især instrumentalmusikken af Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart og Ludwig van Beethoven – havde deres oprindelse i den neapolitanske operas melodiøse vokalstil.

I 1730 var italiensk opera, undertiden i oversættelse, ankommet til omkring 130 europæiske byer, fra København til Madrid og fra London til Moskva. Opera serias stadig mere stive og udramatiske konventioner gav anledning til kritik – som f.eks. den bidende satire Il teatro alla moda (“Teater à la Mode”), der blev udgivet i 1720 af den venetianske komponist, digter og statsmand Benedetto Marcello. Grundelementerne recitativ og arie, lejlighedsvise ensembler og kor blev bevaret frem til i dag, selv om deres indbyrdes forhold varierede. I det 18. århundrede var den italienske opera virkelig et internationalt medie og det eneste middel, hvorigennem en succesfuld komponist kunne opnå berømmelse og formue.